Descrição:<span data-sheets-value="{"1":2,"2":"O Encontro de História da Arte é um evento de caráter anual, promovido pelo corpo discente do Programa de Pós-Graduação em História da Unicamp e com sede no Instituto de Filosofia e Ciências Humanas. Desde 2004, tem por objetivo reunir pesquisas de todo o Brasil sobre história da arte e da cultura, sem distinções de titulação."}" data-sheets-userformat="{"2":771,"3":{"1":0},"4":{"1":2,"2":16776960},"11":4,"12":0}">O Encontro de História da Arte é um evento de caráter anual, promovido pelo corpo discente do Programa de Pós-Graduação em História da UNICAMP e com sede no Instituto de Filosofia e Ciências Humanas. Desde 2004, tem por objetivo reunir pesquisas de todo o Brasil sobre história da arte e da cultura, sem distinções de titulação. Ano de criação: 2004 Área do Conhecimento: História da Arte ISSN: 2675-3103 Título abreviado: Enc. Hist. Arte Contato: eha@unicamp.br Unidade: IFCH/UNICAMP
Afirmando o compromisso do Encontro de História da Arte da Universidade Estadual de Campinas com a atualização dos debates em torno dos estudos de História da Arte e áreas correlatas, apresentamos, através dos 40 textos publicados nas atas de nossa décima sétima edição, os resultados do evento de 2023.
Copyright (c) 2024 Letícia Asfora Falabella Leme, Sandra Mara Salles, Janaína da Silva Fonseca, Cristiano José Steinmetz, Gian Carlo Guadagnin, Ana Clara Simon https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Com o objetivo de explorar o uso de objetos de devoção no cotidiano e suas contribuições para a vivência religiosa no ambiente privado, foi elaborada a pesquisa de mestrado que propõe um estudo acerca da presença de imagens devocionais na esfera popular e caseira. Partimos da visualidade e materialidade, considerando códigos e práticas religiosas cristãs católicas, manifestadas no cenário brasileiro da atualidade, sob uma ótica interdisciplinar que une antropologia e história da arte. Apresenta-se aqui, material selecionado com resultados parciais de acordo com o andamento da pesquisa, apresentando espaços pertencentes a alguns devotos de Nossa Senhora Aparecida.
Copyright (c) 2024 Amanda Patricia Tagliaro https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
As imagens da Virgem Maria grávida e sua destruição após o Concílio de Trento
Há um tipo iconográfico da Virgem Maria muito original e relativamente pouco conhecido que a representa grávida do Cristo. Surgido na Baixa Idade Média, seu desenvolvimento foi ligado ao crescimento da devoção mariana no período, atraindo principalmente, mulheres grávidas, lactantes ou desejosas de conceber, assim como freiras que relatavam ter vivido experiências místicas de gravidez espiritual. Com o Concílio de Trento - que, ao contrário do que muitas vezes já foi escrito, não legislou quanto ao que pode ou não ser representado em matéria de arte religiosa - e o crescente moralismo da Idade Moderna, essas imagens passaram, com mais frequência, a serem olhadas com desconfiança, chegando a serem destruídas ou colocadas o mais longe possível dos fiéis, para eliminar gestos considerados supersticiosos.
Copyright (c) 2024 Aline Pascholati https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Essa comunicação é parte de uma pesquisa de mestrado voltada à pintura de costumes francesa do século XVIII. Nesta ocasião, faremos o exercício de analisar e confrontar alguns quadros de François Boucher (1703-1770), buscando compreendê-los como parte da tradição pictórica do nu artístico e, ao mesmo tempo, como indícios de transformações relevantes nos significados atribuídos à nudez e ao corpo feminino na pintura.
Copyright (c) 2024 Beatrice Frudit https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
O manuscrito ilustrado Tacuinum Sanitatis
O Tacuinum Sanitatis é um catálogo de saúde, produzido pelo médico e filósofo árabe Ibn Butlan, no século XI. O Manual contém 280 itens, entre eles alimentos, ervas, especiarias, roupas, estações e atividades humanas, organizados em forma de tabelas. E foi produzido com o intuito de orientar médicos e pessoas comuns de como manter sua saúde e não adoecer, através da dietética, organização e manutenção do sono, e conservação de sentimentos. Nos séculos XIV e XV, após ser traduzido do Árabe e Grego para o Latim, ganha na região Lombarda Italiana, na corte Visconti-Sforza, iluminações que tomam para si grande parte dos fólios e tornam-se o foco principal do manuscrito a partir desse momento.
Copyright (c) 2024 Júlia Beatriz Fernandes Leite https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Quando o mosteiro foi o “Moderno Eterno” de São Paulo
Em 2019, o Mosteiro de São Bento de São Paulo participou do evento Design Week com a temática dos “Modernos Eternos”, o que nos instigou a pensar a identificação com o “moderno” de um grupo que tem uma tradição religiosa milenar como o cristianismo. O evento e o local foram abordados como estudo de caso e paradigma comparativo com outros eventos que proporcionaram diálogos possíveis pela aproximação e distanciamento com o modelo. A questão do limite para o uso de objetos e locais sagrados para uma tradição, e o seu uso para um fim antagônico à sua origem, não se esgotou. Como resultado, o tema aflorou mais perguntas que respostas.
Copyright (c) 2024 Klency Kakazu de Brito Yang https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Com o estudo de obras do coletivo Octaedro, de Gabriel Borba e de Lucila Quieto, este trabalho pretende refletir sobre os embates sociopolíticos dos artistas sul-americanos e como a violência do Estado durante as ditaduras do século XX se apresenta em cada obra. Através da representação do corpo subjugado e ausente será possível refletir sobre a realidade violenta e sufocante do Uruguai, Brasil e Argentina ao tratar sobre censura, espaço coletivo, tortura, morte, desaparecimento e, em confluência, abordar a ressignificação das ausências para a construção de uma memória possível; uma batalha pelo direito da lembrança que se deu, de diversas formas, através da arte.
Copyright (c) 2024 Vitória Valentim https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
O Grupo do Santa Helena e a memória periférica de São Paulo
Este artigo intenta compreender as representações das paisagens periféricas de São Paulo, pelo Grupo do Santa Helena, como registros poéticos de um recorte espaço-temporal-social, tendo em vista a condição ‘proletária’ destes, e a pertinência de tais representações como memória de uma cidade em expansão, e de um processo de exclusão social que remonta às décadas de 1930 e 40. Para tanto, buscou-se aprofundar as condições objetivas do bairro do Canindé a partir de duas pinturas de santelenistas sobre o local e amparar-se em teóricos seminais como Milton Santos e Casé Angatu, além de uma análise iconográfica baseada no método sugerido por Erwin Panofsky
Copyright (c) 2024 João Carlos Teixeira Junior https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Entre a veneração e a iconoclastia de imagens
Este estudo foi elaborado como uma proposta de comunicação para o XVII Encontro de História da Arte proposto pelo Instituto de Filosofia e Ciências Humanas da UNICAMP no segundo semestre de 2023 e busca realizar um breve exame da imagem surrealista tanto no modo como ela foi inicialmente caracterizada por André Breton em 1924, líder e fundador do movimento surrealista, bem como na forma como ela se manifestou nos primeiros anos do movimento a partir de algumas produções pictóricas de Max Ernst. Com base nisso, propôs-se estabelecer uma relação de contraste entre a imagem surrealista e algumas formulações teóricas e historiográficas elaboradas por um conjunto de autores sobre o estudo das imagens e das relações que estas mobilizam na cultura para, por fim, apresentá-la como modelo de crítica.
Copyright (c) 2024 Cristiano J. Steinmetz https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
As paisagens gráficas de Guignard na obra O Homem e a Montanha
Este artigo é parte da pesquisa desenvolvida no meu mestrado, cujo objeto de estudo é o artista Alberto da Veiga Guignard. Em 1944, contratado pela Livraria Cultura Brasileira, de Belo Horizonte, Guignard elaborou um pequeno número de paisagens gráficas para a obra O Homem e a Montanha, de João Camillo de Oliveira Torres. Através da análise da linguagem gráfica de tais paisagens, buscamos compreender como os desenhos de Guignard concorreram, no âmago do livro e no contexto cultural à época, para a atribuição de um caráter de modernidade ao livro, para a valorização do patrimônio histórico e natural de Minas Gerais, bem como para a inauguração de uma nova visualidade ao país.
Copyright (c) 2024 Giovanna Benedita Cardoso Spinhardi https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Tetsuo e a simbiose humano-máquina na História da Arte
Tetsuo, obra cinematográfica de 1989 foi uma das primeiras do Japão a encaixar-se no gênero cyberpunk, contemplando relações entre carne e metal, humano e máquina. O presente trabalho busca, a partir do evento de Encontro de História da Arte XVII da UNICAMP cujo tema este ano é “Sob Ataque: preservação e destruição de imagens na história da arte” estabelecer com este um paralelo ao abordar a destruição do corpo na história da arte, e o lugar do corpo como objeto da arte em si. Alguns dos principais artistas do período que busco tratar a respeito seriam Stelarc, Nam June Paik, Sun Yuan e Peng Yu. No teatro houve o Théâtre du Grand Guignol. Tal temática é ainda extensamente explorada no gênero de “cinema industrial”, trabalhado mais a fundo ao longo da iniciação científica.
Copyright (c) 2024 Thais Melo Silva https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
David Widhopff e as ilustrações do maestro Carlos Gomes em Belém do Pará
O presente artigo pretende analisar as ilustrações de David Widhopff que fazem referência a passagem do maestro Carlos Gomes em Belém do Pará, entre os anos de 1895 e 1896. As obras nos permitem pensar como as representações ajudaram a compor, por meio dos jornais, uma memória da importância do teatro para a sociedade paraense. Nesse contexto, Widhopff representou o cenário artístico e cultural de Belém, focando na temática da ópera e nas representações do maestro que, junto das críticas de jornais publicadas acerca da temporada lírica de 1895, apresentam distintas leituras para a mesma temática.
Copyright (c) 2024 Laura Camila Silva da Silva https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Processos de legitimação de artistas pela ótica curatorial
Primeiramente analisamos o sistema de arte e as maneiras de operação para a legitimação de artistas, entendemos que o sistema opera dentro de uma lógica capitalista, o que Lipovetsky (2015) definiu como capitalismo artista. Utilizamos também o conceito de rede proposto por Cauquelin (2005), além de definições sistemáticas de Bulhões (2014) para que seja possível visualizar o funcionamento e especificidades do sistema de arte e as formas que o mercado da arte é impactado por essas dinâmicas. A partir dessa análise do sistema de arte, trouxemos o conceito de identidade legitimadora cunhado por Castells (1999) para que se torne possível analisar as responsabilidades e atribuições que o sistema coloca nesse agente em específico.
Copyright (c) 2024 Cássia Pérez da Silva https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Edinízio Ribeiro Primo e sua Tropicália Negra
Em meados dos anos 1960, o Brasil enfrentava o período mais difícil da ditadura militar, que culminaria no AI-5 em 1968, decreto que instituiu a censura no país. Apesar desse cenário de autoritarismo, surgem novas possibilidades de apreensão da arte, capazes de questionar a ordem vigente, ao impor uma leitura de país a partir de si mesmo, como é o caso da Tropicália. Dentro desse contexto artístico, temos a trajetória do baiano Edinízio Ribeiro Primo (Ibirataia 1945 - Búzios - RJ, 1976) que possui, em sua curta e dispersa trajetória, pinturas, trabalhos em design gráfico, performance, figurinos e cenários para teatro, cuja produção foi quase completamente apagada nos escritos sobre história da arte brasileira.
Copyright (c) 2024 Glaucio de Souza Santos https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
O objetivo deste texto é delinear as preferências visuais e de conduta que precedem os círculos letrados portugueses possivelmente conexos à construção do retrato de Dona Catarina de Áustria executada pelo pintor flamengo Anthonis Mor, em 1552, durante a sua estadia em Lisboa. Longe da mera identificação do modelo representado, ao examinarmos de que forma os códigos retórico-poéticos da retratística disseminados pelo ambiente de corte estão articulados aos princípios socioculturais e materiais do retrato designado, somemos uma camada de interpretação de uma forma mais alargada, dado o caráter icônico, simbólico e epistemológico que os retratos renascentistas apresentam.
Copyright (c) 2024 Janaina Santana https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Ao artigo interessa a relação entre sujeitos e imagens, como esse furor/temor por certas imagens pode ou não contribuir para compreender a história da arte. Pelas vias dos estudos visuais, existe uma certa vitalidade presente nas imagens, manifestada ora como falta, ora como potência. Mas também, uma alteridade, justificada quando a imagem ganha o status de personificação. Logo, ao incendiar uma imagem existe uma relação do ser e não ser, levando muitas vezes a essa personificação, a partir do conjunto de associações e perturbações vinculados à própria imagem. As esculturas de Borba Gato e da Mãe Stella de Oxóssi estão e continuarão sujeitas a inúmeras reações das emoções de cada sujeito.
Copyright (c) 2024 Raira Merce Matos Rolisola https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
A presente pesquisa tentou delinear alguns dados sobre a relação entre moradores de São Paulo e 6 de seus monumentos. Para isso, foram feitas entrevistas presenciais com pessoas que passavam por eles, no período de julho a outubro de 2023, tendo-lhes sido também perguntado sobre as outras cinco obras que perfazem o corpus analisado, além de seus dados pessoais, de forma anônima. Tratou-se de 3 obras que representam o discurso “oficial” e 3 que representam minorias, verificando-se a relação entre memória, representatividade, valor estético/histórico e a formação socioeconômica dos respondentes.
Copyright (c) 2024 Rodrigo Vicente Rodrigues https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
O lugar do primitivo no Instituto Warburg
Este trabalho analisa a obra "Giordano Bruno and the Hermetic Tradition" de Frances Yates (1964), enfocando seu uso da noção de primitivo enquanto dispositivo de alteridade. Yates desafia a visão tradicional sobre Bruno na história das ciências, inserindo-o na história da arte e da cultura renascentista através da magia e da astrologia hermética. O uso do primitivo liga-se diretamente a obra de Aby Warburg e a sua metodologia (Kulturwissenschaft), a qual apresentava um forte vínculo com à época nascente antropologia. O objetivo é examinar os usos do conceito, reconstruindo a abordagem de Yates em relação ao legado de Warburg e seus interlocutores, como Franz Boas, Lévy-Bruhl e Tito Vignoli.
Copyright (c) 2024 Lucas Augusto Pietra https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Exposições de artes visuais no SESC Pompéia como espaços para reflexões políticas
Exposições de arte contemporânea reúnem agentes que desempenham funções essenciais em termos artísticos, educativos, sociais e políticos. O presente artigo investiga a realização de duas exposições de artes visuais no SESC Pompéia: “Arte-Veículo” (2018) e “A Parábola do Progresso” (2022-23). Interessa-nos compreender como esta instituição abriu espaço para a discussão de temas relevantes para a sociedade brasileira. Para alcançar o objetivo proposto faremos uma abordagem interpretativa e crítica dos materiais disponíveis sobre estas exposições em seus catálogos, complementando-os com outras fontes que proporcionem uma visão abrangente sobre as temáticas, artistas e obras nelas presentes.
Copyright (c) 2024 Talita Cristina Pereira https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
A performance latinoamericana enquanto ação estético-política
O presente artigo busca explorar os tensionamentos entre certas lógicas pré-estabelecidas que se materializam em violências diversas — aqui pensando especialmente o feminicídio —, e um movimento de oposição transcrito pela ação e pelo corpo. A performance artística, neste trabalho, se estabelece como uma ação estético-política que busca trazer à tona uma narrativa transgressora, movida pela reescrita de um discurso historicamente construído. Através das obras Monumento a las desaparecidas (2020), Detrás de la ventana (2020) e Guatemala feminicida (2021) de Regina José Galindo, propomos uma análise a partir da ideia de memória, da relação corpo-cidade e das potências de reescrita do lugar determinado e violento que se encontra a mulher latinoamericana.
Copyright (c) 2024 Sarah Oliveira https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
O artista Henrique Alvim Corrêa representou uma quantidade significativa de figuras femininas em contextos eróticos e essas produções não obtiveram muita visibilidade. Ao direcionar nosso olhar a essas representações alguns desafios se impuseram nos levando a desvios no percurso da pesquisa justamente pela ausência de referências que pudessem nos ajudar a pensar na circulação ou a percepção desse tipo de produção. Contudo, juntas essas figuras apresentam uma força poderosa e a análise formal dessas imagens nos direciona para temáticas norteadoras do nosso olhar assim como pode ser observado nesse artigo.
Copyright (c) 2024 Brenda Martins de Oliveira https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Pinturas de paisagem agrícola entre os séculos XIX e XX
Neste texto, trazemos para discussão as obras do ciclo do café representadas pelo italiano Antonio Ferrigno (1863-1940), pertencentes ao acervo do Museu Paulista: A Florada, A Colheita, O Terreiro, O Lavadouro, O Beneficiamento e Café. Ao lado de artistas franceses, como Jean-Baptiste Camille Corot (1796-1875), Jean-François Millet (1814-1875) e Charles-François Daubigny (1817-1878), e de italianos, como Silvestro Lega (1826-1895), Odoardo Borrani (1833–1905) e Lorenzo Delleani (1840–1908), exploramos as obras que representam o trabalho agrícola, a fim de entender as possíveis referências de Ferrigno durante a sua produção artística no Brasil (1893-1905).
Copyright (c) 2024 Stefanie Clarice Ramos Moysés https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
O presente artigo tem por objetivo trazer a público o papel da artista Fayga Ostrower na cena artística dos anos de 1940 e 1950. O tema faz parte da minha pesquisa de doutorado na Universidade de Brasília, iniciada em 2022.2, onde tenho por objeto principal a produção de estampas para tecidos de Fayga Ostrower e de seu amigo e sócio, Décio Vieira. No artigo, dissertarei sobre a introdução da artista nas artes visuais em meados dos anos de 1940 e também abordarei sua participação, entre outros artistas, na ativação da gravura no Brasil, principalmente através dos núcleos de ensino de artes gráficas do Rio de Janeiro e São Paulo, assim como as trocas entres esses núcleos e suas reverberações.
Copyright (c) 2024 Vanessa Mendonça https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
As ruínas maias da região de Chichén Itzá nas pinturas arqueológicas de Adela Breton
Adela Breton foi uma artista viajante britânica que registrou ruínas mesoamericanas durante suas viagens pelo México no início do século 20. Suas pinturas arqueológicas do Templo dos Jaguares em Chichén Itzá constituem o foco desta pesquisa e são analisadas a partir das apropriações das noções de pitoresco na produção científica tendo como referência os estudos arqueológicos no contexto britânico. Esses registros detalhados de Breton são algumas das poucas imagens desses monumentos maias que hoje estão em vias de desaparecer.
Copyright (c) 2024 Maria de Fátima Medeiros de Souza https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
O objeto norteador da pesquisa é o Grifo de Pisa, estátua de bronze, datada dos séculos XI – XII, em formato de um grifo, ser mítico com corpo de leão e face e asas de ave, que adornou o telhado da Catedral de Pisa até 1828. A presença e chegada deste objeto em Pisa ainda são tópicos inconclusivos, fazendo com que a estátua se torne um demonstrativo de como os artigos zoomórficos feitos em metal, há muito tempo produzidos por regiões de cultura islâmica, se tornaram populares na região Mediterrânea no período. Para isso, será adotada uma metodologia que coloque a História da Arte Medieval sob uma perspectiva globalizada, levando em consideração a conexão de espaços distintos e o questionamento das fronteiras físicas, religiosas e políticas, na possibilidade de pensar esses objetos a partir de uma cultura compartilhada.
Copyright (c) 2024 Camila Palaio Martorelli https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
A reprodutibilidade da gravura e a presença de uma mesma obra em vários acervos representam um desafio para a documentação e catalogação no sentido de unir informações de entrada que cada uma possui, além de informações sobre a técnica, os processos para sua execução e sobre o artista, que variam de uma instituição para outra. Assim, busco refletir sobre essas singularidades partindo do estudo de caso sobre a obra Risco I, da artista Regina Silveira, ao focar em sua presença nos acervos de três instituições, o Museu de Arte Contemporânea da USP, a Pinacoteca Municipal de São Caetano do Sul e da Pinacoteca Municipal de São Bernardo do Campo, e como estão concentradas em cada uma as informações sobre a obra.
Copyright (c) 2024 Bruna Luana Marassato https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Neste artigo analiso os processos artísticos que emergem da triangulação entre prompts de texto, inteligência artificial e imagem em plataformas como o Midjourney, e suas consequências na arte digital contemporânea. A partir dessa área de relações que chamo de Triângulo das permutas, apresento o funcionamento dessa plataforma e seus desdobramentos conceituais. Utilizo o termo guarda-chuva história digital da arte como referencial para debater problemas da esfera digital na arte como propriedade intelectual, originalidade, imagem verdadeira e falsa, deepfakes e racismo algorítmico, num diálogo com textos da artista e pesquisadora Giselle Beiguelman e sua crítica à eugenia maquínica do olhar. Em um estudo de caso teórico-prático, faço um relato sobre a produção de uma série dessas imagens e os problemas encontrados. Faço uma relação dos bancos de dados utilizados no treinamento dessas imagens a partir das Redes Adversárias Generativas (GAN) e as teorias do arquivo e da memória. Novos paradigmas estão surgindo dessas permutas entre texto, imagem e inteligência artificial, mas os problemas éticos e políticos que estão sendo atribuídos a essas tecnologias continuam a ser problemas de ordem humana. O que chamo de triângulo das permutas não é apenas um local de desaparecimento ou apagamento, e sim um portal de entrada para outros mundos (im)possíveis.
Copyright (c) 2024 Angelo Luz https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Este trabalho investiga a destruição da "Torre de Iluminação Cinética", de Abelardo da Hora, uma obra de arte pública localizada em Recife e destruída em 1964 após o golpe civil-militar. Trata-se de um caso muito particular no contexto da censura praticada durante o regime militar, pois representa um dos poucos exemplos de iconoclasmo documentados no período. Nossa análise visa compreender as razões específicas pelas quais essa obra foi alvo de destruição pelas autoridades militares. Para tanto, exploramos algumas hipóteses a partir da constituição plástica da obra e de sua interação com o espaço público em que estava inserida.
Copyright (c) 2024 Allan André Lourenço https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Arias Montano, José de Siguenza e Juan Bautista Villalpando foram três autores próximos ao monarca Felipe II de Espanha (1527-1598) e que conheceram a fábrica do Mosteiro de San Lorenzo El Real del Escorial, fundamental na construção da imagem dos monarcas espanhóis. Com a obra de Villalpando, o Escorial passou a ser interpretado como novo templo de Jerusalém. Procuramos apresentar os antecedentes dessa interpretação, considerando as palavras de Siguenza, que associa a imagem dessa construção à arca de Noé, ao tabernáculo de Moisés e ao templo de Salomão e, especialmente, considerando como Arias Montano apresenta o modelo desses três edifícios em seu tratado “Ejemplar o arquetipo de las construcciones sagradas”.
Copyright (c) 2024 Camila Cristina Souza Lima https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
A coleção de arte de Béatrix Reynal nos anos 1930 e 1940
A coleção de arte de Marcelle Jaulent (1892-1990), vulgo Béatrix Reynal, teve papel central no seu salão literário no Rio de Janeiro (1935-1945), depois integrou em parte o acervo do MASP em São Paulo. A partir da relação intrínseca dos artefatos culturais entre si e com a trajetória da colecionadora, problematiza-se o princípio da “similaridade entre poesia e pintura” que marcou os usos sociais e políticos e a dimensão da memória dessa coleção, cujos processos de formação à dissolução são aqui pensados historicamente, inclusive na sua dimensão de um espaço de circulação e apreciação da “arte moderna”.
Copyright (c) 2024 Caroline Aparecida Guebert https://creativecommons.org/licenses/by/4.0