Revista de História da Arte e da Cultura
Escopo: A Revista de História da Arte e da Cultura (RHAC) tem por objetivo a publicação e divulgação da produção acadêmica na área de História da Arte e da Cultura. Abrange textos voltados particularmente à reflexão sobre a visualidade, em suas conexões com a história e o campo cultural. A publicação de trabalhos em português, inglês, francês, italiano e espanhol facilita o acesso a leitores brasileiros e estrangeiros. Publica inéditos de especialistas nacionais e estrangeiros nas seguintes modalidades: artigos, resenhas, entrevistas e transcrições de documentos. Propostas para dossiês podem ser encaminhadas para aprovação no conselho. Qualis: A3 Área do conhecimento: Ciências Humanas Ano de fundação: 2020 E-ISSN: 2675-9829 Título abreviado: Rev. Hist. Arte e Cult. E-mail: rhac@unicamp.br<span style="display: inline !important; float: none; background-color: #ffffff; color: #000000; cursor: text; font-family: 'Noto Sans',Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 14px; font-style: normal; font-variant: normal; font-weight: 400; letter-spacing: normal; orphans: 2; text-align: left; text-decoration: none; text-indent: 0px; text-transform: none; -webkit-text-stroke-width: 0px; white-space: normal; word-spacing: 0px;"> Unidade: IFCH Editor responsável: Jorge Coli Prefixo DOI: 10.20396
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A abstração informal na crítica de Jayme Maurício
O artigo amplia as reflexões sobre a crítica à abstração informal no Brasil por meio de pesquisa bibliográfica qualitativa e dos textos publicados na coluna “Itinerário das Artes Plásticas” do jornal carioca Correio da Manhã nas décadas de 1950 e 1960. Por intermédio das crônicas e da fortuna crítica de Jayme Maurício sobre a vida e obra de Manabu Mabe é possível entrever o posicionamento do jornalista frente à ascensão do informalismo no país, a sua associação ao projeto artístico do MAM-RJ e a escalada fulgurante do artista entre os anos de 1959 e 1961. A pesquisa contrapõe o ajuizamento da estética informal entre os principais críticos de arte do período, utilizando como objeto de análise a obra do pintor nipo-brasileiro.
Copyright (c) 2026 Bruno Henrique Fernandes Gontijo https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
As cartas de Abraham Israel Scheptowitzki para Lasar Segall
Este artigo apresenta um conjunto de três cartas escritas pelo artista judeu Abraham Israel Scheptowitzki para Lasar Segall, preservadas no arquivo do Museu Lasar Segall, em São Paulo, Brasil. Datadas de 1939, a correspondência documenta uma amizade artística e a progressiva exclusão e perseguição de um intelectual judeu na Alemanha nazista. Por meio de uma leitura atenta das cartas, o estudo reconstrói os esforços de Scheptowitzki para emigrar, sua dependência de redes transnacionais judaicas de apoio e a experiência emocional de viver sob uma crescente ameaça política. As cartas também lançam luz sobre o papel de Segall, a partir do Brasil, como um intermediário que mobilizou instituições internacionais de ajuda e contatos pessoais em tentativas de auxiliar colegas perseguidos. Ao mesmo tempo, o artigo reflete sobre os desafios metodológicos de reconstruir uma trajetória individual a partir de um arquivo que não pertence ao próprio sujeito. Por sua vez, a biografia de Scheptowitzki emerge apenas fragmentariamente, mediada pelas cartas trocadas com Segall e marcada por significativas lacunas arquivísticas. Ao situar essa correspondência na interseção da história da arte, dos estudos sobre migração judaica, da historiografia judaica e da Shoa, o artigo demonstra o valor dos arquivos epistolares para a recuperação de vidas marginalizadas e para a compreensão de como as relações pessoais e as redes culturais funcionaram como estratégias de sobrevivência em condições de deslocamento forçado e genocídio.
Copyright (c) 2026 Tobias Vilhena de Moraes, Viktoriia Kirsanova, Pedro Paulo Abreu Funari https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Perseguindo heresias, a Inquisição moderna se utilizou da censura para cercear a circulação de ideias contrárias às suas doutrinas. Apesar da censura literária ser mais difundida, também se vigiaram produções artísticas imagéticas. Diante disso, este trabalho visa apresentar um caso de censura imagética na Inquisição portuguesa, através da transcrição de parte do processo contra Pedro Gomes Dias, preso por possuir um painel da passagem bíblica do bezerro de ouro. Intrigado pelo conteúdo e contexto da imagem, o tribunal solicitou a três qualificadores que apresentassem análises censórias. Apresentam-se aqui estes comentários, buscando colaborar aos estudos da história da censura artística.
Copyright (c) 2026 Carlos de Miranda Vitoi https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Este artigo propõe uma releitura de imagens rupestres por meio da integração de registros etnográficos e de análises de arte, com foco na iconografia de entidades não humanas representadas em máscaras, desenhos e outras expressões visuais presentes em comunidades indígenas no Brasil. Partindo da premissa de que essas tradições visuais podem ampliar a compreensão de conjuntos específicos de arte rupestre, o estudo apresenta um sítio de petróglifos em Mara Rosa, Goiás (Brasil central), como estudo de caso. Ao dialogar com a visualidade indígena e seus repertórios simbólicos, o trabalho oferece uma nova interpretação preliminar das figuras gravadas, considerando-as representações de entidades não humanas. Essa abordagem alinha-se a um movimento contemporâneo que reavalia o uso de fontes etnográficas na interpretação de imagens arqueológicas, contribuindo para debates epistemológicos nos campos da história da arte e da cultura visual.
Copyright (c) 2026 Leonardo Paes Troiano https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Este artigo analisa a trajetória da obra A Rendição de Uruguaiana, de Pedro Américo, desde seu esboço até a destruição física e sobrevivência pelas gravuras de tradução. A partir da articulação entre história da arte, cultura visual e política do século XIX, mostra-se como a imagem, após perder o suporte original, foi preservada, reinterpretada e difundida por litografias na imprensa da Corte do Rio de Janeiro. Longe de mera cópia, a gravura atuou como dispositivo de memória e legitimação imperial, evidenciando seu papel ativo na permanência e transformação das imagens históricas no Brasil oitocentista.
Copyright (c) 2026 Álvaro Saluan da Cunha https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Charles-François Daubigny no Museu Mariano Procópio
A tela de Charles-François Daubigny (1817-1878), pintor e gravurista francês, atualmente localizada e exposta no Museu Mariano Procópio, em Juiz de Fora, é a única do artista presente em uma instituição pública brasileira. Este artigo busca aprofundar as investigações sobre ela e discutir inconsistências referentes a seu título e sua datação. Ademais, ele possui o propósito de situar essa obra em um contexto coerente de produção de Charles-François Daubigny e de outros pintores que foram seus alunos, objetivando inserir a tela em um contexto maior de produção e imbricações com outros artistas.
Copyright (c) 2026 Bruna Valesca Zacanini https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Triangles pointe sur pointe, rectangle, carrés, barres (1931), de Sophie Taeuber-Arp no MAC USP
O artigo investiga a pintura Triangles pointe sur pointe, rectangle, carrés, barres (1931), de Sophie Taeuber-Arp, que integra o acervo do MAC USP. A partir da revisão bibliográfica de uma fortuna crítica sobre a artista e do exame de documentos primários disponíveis nos arquivos históricos do MAC USP e da Bienal de São Paulo, busca-se contextualizar a pintura na trajetória da artista, levando em consideração suas experimentações com dança e artes aplicadas, a fim de promover uma análise formal inédita da obra. Tal análise atravessa discussões de gênero na historiografia da arte moderna e reflexões sobre a persistência da hierarquia entre belas artes e artes aplicadas.
Copyright (c) 2026 Larissa Fernandes Martins da Silva https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
A partir da obra Semeando sereias (1987-1998), do artista brasileiro Tunga, este artigo propõe uma abordagem visual com base na ideia de sobrevivência das imagens, ancorada em historiadores da arte como Aby Warburg e Georges Didi-Huberman. Uma obra de arte pode abrigar memórias, histórias, permanências e outras produções artísticas. Nesse sentido, refletir sobre o surgimento de imagens semelhantes com formas, modelos e gestos que sobrevivem e se conectam, é também dialogar com as práticas culturais humanas – espaço de produção de subjetividades, imaginários e significados.
Copyright (c) 2026 Miguel Lucio dos Reis https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Este artigo analisa a discussão proposta por Alfredo Sousa, crítico de arte residente no jornal belenense Folha do Norte (1896), acerca de algumas obras expostas pelo artista e historiador paraense Theodoro Braga (1872–1953) entre os anos de 1906 e 1911. Nosso intuito é trazer à tona a crítica de arte como um campo de debates que contribuiu diretamente para a consolidação do sistema de arte da cidade de Belém no início do século XX, além de apresentar obras e inserir, em um debate mais amplo, nomes que ainda permanecem à margem dos grandes estudos sobre a história da crítica de arte brasileira.
Copyright (c) 2026 Gabriel Borges Souza https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
O percurso formativo de Mário Barata (1939–1969)
Este artigo investiga o vínculo intrínseco entre a vida de um indivíduo e as ideias e concepções expressas em sua produção intelectual, tomando como objeto de análise parte do percurso formativo de Mário Barata (1921–2007). Seu trajeto, marcado pela diversidade de experiências, oferece uma oportunidade para examinar as diferentes vias pelas quais se estruturava a formação profissional de historiadores da arte no Brasil antes da criação de cursos específicos na área. Nesse sentido, o estudo focaliza o período compreendido entre a segunda metade da década de 1930 e o final da década de 1960, buscando compreender de que maneira essa formação heterogênea se refletiu na concepção de Barata acerca do campo da História da Arte.
Copyright (c) 2025 Sarah Jansen Barros https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Ecocrítica e motivos animais em arte não europeia
O presente artigo tem por objetivo promover uma reflexão sobre o emprego de motivos animais no escopo das artes visuais de matriz não europeia. São focalizados em particular seus padrões de operação e os discursos e relações tangíveis que os instituíram no imaginário a partir de um estudo de caso centrado em motivos de jaguares e pássaros na iconografia de recipientes cerimoniais andinos. Emprega-se como eixo teórico a perspectiva ecocrítica, pontuando vias de análise que não se atém apenas a iconografia em sua acepção mais clássica, mas contemplando também questões ligadas à materialidade das obras e ao discurso de alteridade por elas construído em sua produção, reprodução e circulação. Busca-se, deste modo, operar um esforço epistemológico em prol de novas leituras sobre a relação entre a natureza e os sistemas simbólicos humanos, visando contribuição ao crescente campo dos estudos ecocríticos em História da Arte.
Copyright (c) 2026 João Lucas Gualassi Duarte, Amanda Müller Guadiz https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
A “Casa de Borboletas” dos irmãos Zitrin e o registro de suvenires comercializados no Rio de Janeiro entre as décadas de 1930 e 1970
A história da loja de curiosidades Zitrin Irmãos, em atividade no Rio de Janeiro entre as décadas de 1920 e 1980, é brevemente apresentada. Tendo como público-alvo turistas estrangeiros, ela promovia vendas de suvenires no varejo assim como exportava no atacado. Acompanhando páginas de comércio online de antiguidades entre 2021 e 2025, foi possível registrar 43 itens com alguma rotulagem creditada à loja. A maior parte encontrava-se nos Estados Unidos, sendo os principais itens as famosas bandejas de estrutura em madeira adornadas com asas de lepidópteros, as quais eram produzidas por marcenarias em Curitiba, PR, e São Bento do Sul, SC.
Copyright (c) 2026 Alcimar do Lago Carvalho https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
A Amazônia da segunda metade do século XIX acompanhou de perto o desenvolvimento de novas técnicas de produção e reprodução da imagem que ocorria na Europa. Nesse tempo, a imprensa ilustrada, trazendo em suas páginas fotografias e imagens litografadas, foi fundamental para a formação de uma cultura visual na região. Desse modo, este artigo busca analisar o ambiente movimentado da produção e circulação de imagens impressas na Província do Pará durante o Segundo Reinado no Brasil.
Copyright (c) 2026 Silvio Ferreira Rodrigues https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
A década de 1950 foi marcada no Brasil como um momento de modernização e grande mobilidade, carregado de possibilidades e projetos. No plano cultural e estético, um grupo de artistas denominado Ruptura buscou operar ativamente nesse processo em seu epicentro, a cidade de São Paulo, pautando-se no ideário do Concretismo. Através da mobilização e análise de textos e obras visuais realizados nos anos 1950 pelos artistas do grupo Ruptura, este artigo visa discutir o projeto estético de criação de uma nova visualidade racional e moderna, sobretudo em sua dimensão material. Para isso, são debatidas aqui as relações entre imagem e materialidade no Concretismo a partir de três eixos integrados: a obra de arte como objeto; a obra de arte como produto; técnicas e materiais.
Copyright (c) 2026 Raquel Elisa Cartoce https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Alejandro Del Conte foi o editor da revista Correo Fotográfico Sudamericano, importante publicação sobre fotografia na América Latina. Em 2017 parte de seu arquivo foi recuperado possibilitando entender o funcionamento dessa publicação, não apenas como uma ação isolada, mas como o que iniciou um complexo direcionado à difusão e educação sobre fotografia com a criação de uma escola e de uma coleção de livros técnicos voltados para a prática fotográfica em suas variadas formas. No presente artigo, parte da investigação de pós-doutorado, busco mapear a dinâmica desse complexo a partir do arquivo cotejado com os volumes da Correo Fotográfico Sudamericano, em especial em suas relações com o Brasil.
Copyright (c) 2026 Priscila Miraz de Freitas Grecco https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
A gravura japonesa e a pintura no ocidente: na segunda metade do século XIX
Henri Focillon nesta brilhante comunicação feita para o Congresso de História da Arte em Paris no ano de 1921, aqui traduzida, propôs uma abordagem historiográfica ao demonstrar como a gravura japonesa impactou profundamente a arte ocidental a partir do século XIX. O autor analisa os fluxos entre a Europa e a Ásia ao longo da história, ressaltando que esses dois continentes não se desenvolveram isoladamente, mas foram espaços de trocas filosóficas, artísticas e culturais. No século XIX, esse impacto foi impulsionado pela chegada de gravuras à Europa, o que despertou grande interesse de artistas e apreciadores da arte. Focillon destacou que artistas como Whistler, Monet e Manet se inspiraram na estética inovadora da arte oriental. A presença da gravura japonesa evidencia como o contato entre culturas pode gerar novas linguagens visuais e ampliar a percepção artística. Assim, a arte moderna emergiu do diálogo entre diferentes tradições, provando que a inovação muitas vezes nasce da interação entre mundos aparentemente distantes.
Copyright (c) 2026 Lorenna Fonseca https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/
O artigo tenta discutir os fundamentos epistemológicos da intuição e da sensibilidade como categorias determinantes na percepção das obras de arte. Elas se fundamentam em convicções aparentadas aos princípios da crença, conduzindo o espectador a epifanias laicas. Essas percepções se fundamentam em dados culturais, mas os ultrapassam, numa relação que vai além do conhecimento discursivo. Elas oferecem a significação mais alta para os trabalhos em história da arte, que formam o solo em que elas se assentam.
Copyright (c) 2025 Jorge Coli https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
O presente artigo busca discutir a trajetória da fotografia “Missa Campal 17 de Maio 1888”, de autoria de Antonio de Barros Araújo, que está preservada no Musée Louis-Philippe, situado na cidade de Eu, ao norte da Normandia, França. Pretende-se compreender como essa fotografia, que flagra a celebração religiosa realizada poucos dias depois da assinatura da lei que deu cabo na escravidão no Brasil, ficou acervada nesse museu francês, e de que modo está atrelada à construção visual da memória da Abolição no imediato pós-13 de maio de 1888.
Copyright (c) 2025 Carlos Lima Junior https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
A partir do cotejamento de dados a respeito da presença de mulheres artistas no Museu de Arte Moderna de Nova York e da aquisição de obras de artistas brasileiros pela mesma instituição, este artigo discute a trajetória da obra de Lucy Citti Ferreira (São Paulo, 1911 - Paris, 2008), adquirida pelo MoMA em 1942 e, em seguida, reflete a respeito das ambivalências relacionadas à falta de reconhecimento da artista, ainda pouco conhecida do público brasileiro e internacional, para além de sua atuação enquanto modelo de Lasar Segall.
Copyright (c) 2025 Configurações Sophia Faustino Freiria de Sousa https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Este artigo investiga a fotografia em publicações dos anos 1940 e 1950, a partir de seu caráter formal e ideológico, enquanto cultura visual que participa ativamente na construção de imaginários coletivos. É estudada a imagem da Estrada de Ferro Tocantins de Marcel Gautherot no álbum Brésil, publicado na França em 1950. Ela é comparada ao conjunto de 84 fotografias de Marcel Gautherot sobre o mesmo tema, que permaneceu inédito e hoje está depositado em acervo institucional. Também é comparada com fotografias de outros acervos. Utilizando a análise de imagens da história da arte e dos estudos de cultura visual, a pesquisa revela as ideologias envolvidas no processo editorial em Brésil e busca narrativas dissidentes presentes no trabalho de Gautherot.
Copyright (c) 2025 Gil Vieira Costa https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Um museu para rever a obra de Antônio Parreiras
Reaberto após um hiato de mais de dez anos, a exposição no Museu Antônio Parreiras, se coloca como um momento de afirmação da figura do artista que fez da pintura de paisagem um lugar destacado de pesquisa artística para a arte brasileira. Antônio Parreiras: memórias e histórias propõe uma leitura autobiográfica com obras que pontuam a trajetória do artista na casa onde viveu.
Copyright (c) 2025 Maria Teresa da Silveira https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
O artigo comenta a obra do artista sueco Dick Bengtsson (1936-1989) que, partindo de uma posição marginal no contexto artístico de seu país, trabalhava criticamente em suas pinturas as imbricações entre entre os ideais da arte moderna, do nazi-fascismo e da publicidade. Relaciona-se, aqui, seu modo de trabalho, que incluía a inserção de símbolos polêmicos e provocadores como a suástica e a fabricação de uma pátina de aspecto deteriorado em suas telas, com as obras de Robert Rauschenberg e Marcel Duchamp.
Copyright (c) 2025 Paula Mermelstein Costa https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
A Arqueologia Histórica, a Arqueologia da Repressão e da Resistência
O artigo discute de que maneira a arqueologia histórica, o capitalismo e a globalização estão no centro da disciplina. Ela é considerada mais do que o estudo da cultura material por conta da globalização. Como caso de estudo, a arqueologia da repressão e da resistência é introduzida no contexto histórico da Guerra Fria. No Brasil, a arqueologia sofreu diretamente, com os humanistas sendo perseguidos, enquanto os arqueólogos que apoiavam o regime controlavam a prática. Isso explica o desenvolvimento tardio do estudo no Brasil, entretanto, desde o início do século XXI produziu não apenas evidências arqueológicas, mas também abordagens e interpretações inovadoras, levando a um futuro diferente.
Copyright (c) 2025 Pedro Paulo Abreu Funari https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
A "Ode" do escultor Joaquim Machado de Castro
A laudatória Ode foi composta pelo escultor português Joaquim Machado de Castro para comemorar a inauguração de sua obra-prima, a estátua equestre do rei D. José I (1775, Lisboa). Embora Machado de Castro continue sendo uma figura proeminente e até mesmo icônica na história da arte portuguesa, este texto tem sido amplamente negligenciado pelos estudiosos. Este artigo analisa a Ode como uma forma de ato performativo e de écfrase, destinada a conduzir o leitor por diferentes camadas de "sentido oculto" incorporadas ao monumento régio por meio de sua descrição verbal.
Copyright (c) 2025 Olga Rusinova https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Um pintor decorador no Rio Grande do Sul
Este artigo analisa a trajetória do pintor decorador Fernando Schlatter (1870-1949), que atuou em Porto Alegre, Rio Grande do Sul, nas primeiras décadas do século XX. Baseando-se em documentos pessoais, reportagens do jornal A Federação (RS) e bibliografia especializada, o estudo investiga o reconhecimento de Schlatter por seus contemporâneos e, pontualmente, o subsequente apagamento de sua memória e de parte de sua obra na historiografia da arte brasileira. A pesquisa busca reposicionar Schlatter no panorama artístico regional e nacional, destacando a importância das artes decorativas para a construção cultural e identitária brasileira no período republicano.
Copyright (c) 2025 Alexsander Candido de Britto https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Este artigo discute o papel de George Moore (1852-1933) na consolidação do impressionismo na Inglaterra. Pouco conhecido no Brasil, o escritor irlandês integrou a boemia dos impressionistas franceses e, desafiando o establishment inglês, foi um entusiasta do movimento em Londres. Nesse processo, teve participação ativa na promoção do New English Art Club, sociedade de artistas que se autoproclamaram os “Impressionistas Londrinos”. Em meio à hostilidade contra o grupo, Moore desponta como um crítico de arte que, ao defender as formas imprecisas da nova pintura, recria verbalmente as sensações de movimento e frenesi da vida moderna.
Copyright (c) 2025 Thaís Marques Soranzo https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Uma exposição geral fora da Academia Imperial de Belas Artes
Foi inaugurada em 18 de março de 1882 a primeira “exposição geral” organizada pela Sociedade Propagadora das Belas Artes no edifício do Liceu de Artes e Ofícios do Rio de Janeiro. Os escritos sobre o evento não deixavam dúvidas de que um catálogo fora elaborado para acompanhar a exposição. Pouco mencionada pela historiografia, a publicação se revela como importante fonte para o estudo das exposições e do meio artístico brasileiro no final do século XIX. O artigo tem por objetivo apresentar o contexto de produção do catálogo e transcrevê-lo integralmente. Trata-se de um documento pouco conhecido, produzido por relevante episódio da história da arte no Brasil, e que ilumina um período marcado pelo hiato das exposições gerais de 1879 e 1884 realizadas pela Academia Imperial.
Copyright (c) 2024 Fabriccio Miguel Novelli Duro https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Este artigo aborda o debate em torno do catálogo da exposição intitulada Iconoclash: Beyond the Image Wars in Science, Religion, and Art, realizada no Centro de Arte e Mídia Karlsruhe (ZKM), em 2002, e curada por Bruno Latour e Peter Weibel. A partir da expressão iconoclash, Latour propõe suspender e problematizar o efeito imediatamente deletério do gesto iconoclasta, historicamente presente na arte, na religião, na política e na ciência. Tomando como recorte a discussão em torno da crise da representação na arte moderna e contemporânea, o artigo retoma argumentos apresentados pelos autores ao longo catálogo e apresenta as classificações propostas por Latour para explorar a ambiguidade do gesto iconoclasta, a fim de elucidar sua potencialidade enquanto chave de leitura crítica.
Copyright (c) 2024 Marcella Imparato https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Considerações sobre a formação de uma galeria dedicada à “antigua escuela de pintura” no México oitocentista
No México de meados do século XIX, com a ascensão do grupo liberal ao poder e o processo de secularização por ele posto em marcha, as ordens religiosas veem desapropriados seus antigos bens e demolidos vários de seus edifícios. A formação da galeria de pintura que acolheria as telas recolhidas de conventos e igrejas, na academia de belas artes da capital, esteve a cargo do jurista José Bernardo Couto (1803-1862) e foi acompanhada pela elaboração do Diálogo sobre la historia de la pintura en México, um dos primeiros escritos em história da arte produzidos e publicados no continente americano. A partir da atenção à biografia de Couto e à conjuntura em que conduziu estas duas empresas complementares, comentaremos sobre o processo de construção de uma história da arte que reposicionou passado, presente e futuro, para que se pudessem colocar em sintonia com um desenho de identidade nacional.
Copyright (c) 2024 Karolyna de Paula Koppke https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Dulce Carneiro foi uma fotógrafa brasileira que iniciou sua carreira domesticamente e se profissionalizou na década de 1950. Passou a desenvolver suas fotografias na publicidade, na arquitetura e retratos. No final dos anos 90, Dulce se despede da fotografia e da cidade de São Paulo. Mais do que isso, destrói todo o acervo referente ao seu trabalho fotográfico e nunca mais fotografou. Sem o desejo de recuperar sua obra e respeitando sua ação ativa e radical, esse artigo, tem a intenção de reconhecer sua trajetória sem esquecer seu ato mais política e ruidoso, o da destruição de seu trabalho como um discurso de valorização/esquecimento.
Copyright (c) 2024 Maria Cecilia Conte Carboni https://creativecommons.org/licenses/by/4.0