Escopo: A Revista Visuais é o periódico do Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais da Unicamp desde 2015. A revista publica textos relacionados às pesquisas nas linhas de teoria, crítica e história da arte, das poéticas visuais, estendendo-se ao amplo domínio dos campos híbridos e transdisciplinares que se articulam nesta área de conhecimento. A revista recebe proposições para elaboração de dossiês, artigos, traduções, e também publica ensaios visuais. As proposições para a publicação na revista são arbitradas pelo seu comitê editorial. Qualis: A2 Área do conhecimento: Linguística, Letras e Artes Ano de fundação: 2015 ISSN: 2447-1313 Título abreviado: Rev. Visuais E-mail: rvisuais@unicamp.br Unidade: IA Editor responsável: Mauricius Martins Farina Prefixo DOI: 10.20396
Este artigo investiga como a dimensão política das obras de arte se intensifica em regimes ditatoriais ou governos que restringem práticas culturais e artísticas. A opressão sobre o artista e os indivíduos resulta na impregnação política da arte, destacando-se como aspecto crucial das tensões nas práticas artísticas. Este estudo analisa como a política das imagens atua como agente subversivo e de resistência, contornando a censura e os ataques conservadores. Serão examinadas quatro produções artísticas no contexto brasileiro, duas contemporâneas (2015-2022) e duas do período da Ditadura Militar (1964-1985).
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O fazer poético investigado por Jorge de Lima em suas fotomontagens publicadas em 1943 no livro A Pintura em Pânico.
O artigo analisa a forma de quatro fotomontagens do livro A Pintura em Pânico (1943) do poeta Jorge de Lima e utiliza os dísticos e textos exteriores ao livro (críticos, biográficos, entrevistas, poemas), para explorar a multiplicidade de assuntos e temas abordados pelo poeta por meio de suas montagens. Foi selecionado o tema da crise da modernidade e a fragmentação da unidade para confrontar as montagens. Nesse sentido, utiliza-se a Teoria da Vanguarda (1970) de Peter Bürger (1970), o Surrealismo e a crítica ao processo de modernização que passou o Brasil no século XX em coerência à fortuna crítica do poeta.
O ensaio propõe o conceito estética lacunar como uma categoria crítico-analítica da arte contemporânea, caracterizado por práticas que operam com ausência, falha, silêncio e interrupção como formas éticas e políticas de expressão. Essa estética rejeita a representação direta de experiências-limite por considerar que sua simbolização pode levar à banalização ou à estetização da dor. Em vez disso, valoriza o vazio como forma intensificada de presença e resistência. Essa estética se estrutura por uma ética da contenção, que se manifesta em três formas principais de vazio: ausência, omissão e excesso. A partir dessa perspectiva, o artigo articula um olhar crítico sobre os regimes simbólicos dominantes, propondo a lacuna como linguagem e estratégia de memória crítica e resistência.
Quando a matéria industrial se torna experiência
O artigo examina como a matéria industrial, quando deslocada do seu contexto produtivo, transcende a sua função utilitária e passa a operar como geradora de experiência estética e sensorial. Defende-se que materiais como metal, vidro e resíduos fabris, ao serem reintegrados no campo artístico, ativam uma relação fenomenológica que convoca o corpo do observador e reorganiza a perceção espacial. Nesse processo, a materialidade deixa de ser um dado técnico para tornar-se uma presença crítica que desestabiliza os regimes tradicionais de representação, função e visualidade. A investigação desenvolve-se a partir das práticas de Pedro Cabrita Reis, Anish Kapoor e Richard Serra, cujas obras constituem exemplos paradigmáticos de como a matéria industrial pode reconfigurar modos de experienciar e pensar o espaço expositivo. Argumenta-se, assim, que a arte contemporânea mobiliza a matéria para além do objeto, transformando-a num operador conceptual e corporal capaz de produzir outras formas de sensibilidade e pensamento.
Este artigo assenta na identificação de trabalhos de Zulmiro de Carvalho apresentados em ambiente expositivo e comentados do ponto de vista da sua exemplaridade concetual, material, formal e processual, permitindo uma visão global da sua obra. Aos trabalhos mostrados em exposições – peças escultóricas e desenho – juntam-se peças de circulação restrita que esclarecem a atuação o escultor no contexto cultural e o seu posicionamento num envolvimento de natureza pessoal e social. Os trabalhos em análise consideram-se emblemáticos da coerência, da consistência e da persistência das questões abordadas, e da sua relevância para o conhecimento de um percurso que marca a escultura portuguesa dos anos 60 à atualidade.
Zulmiro de Carvalho e o Sentido Organizador do Mundo
Este artigo desenvolve uma análise da obra de Zulmiro de Carvalho, articulando a sua origem rural e o impacto da formação britânica na St. Martin’s School of Art, a fim de compreender a lógica interna da sua escultura. Defende-se que o percurso do artista constitui uma transmutação poética da experiência orgânica da natureza em formas geométricas depuradas que funcionam como duplos culturais da terra. Com base na leitura de A Origem da Geometria, de Michel Serres, argumenta-se que a esta, enquanto acto de medir e ordenar o mundo, emerge como chave conceptual para interpretar a obra do escultor. A análise incide sobre a série dos Pórticos, o cenotáfio do Prado do Repouso e o mais recente Pórtico do Rio, evidenciando de que modo a obra convoca corpo, espaço, tempo, luz e vazio como dispositivos de ativação simbólica. Conclui-se que Zulmiro de Carvalho realiza uma obra que, partindo das suas origens rurais, procura organizar o caos, instaurando um universo poético, silencioso e rigoroso.
António Fernando Monteiro Pereira da Silva
Este artigo analisa as convergências conceptuais, formais e fenomenológicas entre a poética de Herberto Hélder, a evolução da escultura moderna — de Rodin ao Minimalismo e à Arte Concreta — e a obra escultórica de Zulmiro de Carvalho. A partir de alguns textos de Photomaton & Vox (1979), discutem-se noções como “escultura-objecto”, “criação de espaço”, “transmutação”, “silêncio” e “linha”, articulando-as com transformações históricas e estéticas da tridimensionalidade contemporânea. Incluem-se leituras críticas dos textos de Herberto Hélder, propondo que a obra de Zulmiro de Carvalho corporiza exemplarmente a definição herbertiana da escultura enquanto texto-motor — um sistema operativo, espacial, relacional e sensorial.
Este artigo irá ensaiar sete tentativas para compreender a obra do escultor português Zulmiro de Carvalho, obra surgida desde o início da segunda metade do século XX até à atualidade. O seu trabalho distingue-se por uma mudez própria de uma atitude minimal de tonalidades muito singulares. Tendo como referência principal uma das suas peças de escultura instaladas na cidade das Caldas da Rainha, será apresentado um percurso meditativo com sete itinerários possíveis, que demonstram uma poética única ancorada na passagem do patente dos materiais para o latente da escultura, radicando num profundo conhecimento das origens e do que é próprio do trabalho em escultura. Concedendo especial atenção às questões da superfície e plasticidade dos materiais, o espaço é valorizado como determinação ativa da escultura e de um processo de trabalho que se caracteriza por sucessivos estádios de decantação ou limpeza que conduzem a uma finura formal e poética.
O presente estudo propõe um relato-itinerário historiográfico e curatorial da obra de Zulmiro de Carvalho, inscrevendo-a nos processos de renovação da escultura portuguesa do último quartel do século XX e até à atualidade. Partindo de uma reflexão sobre a pluralidade do tempo e a dissolução das narrativas lineares da arte, analisa-se a emergência da escultura abstrata e minimalista em Portugal, em articulação à formação internacional dos artistas, quase sempre proporcionada pelo programa de bolsas da Fundação Calouste Gulbenkian e, no caso de Zulmiro de Carvalho, advinda da experiência na St. Martin’s School of Art (Londres). O eixo central do estudo desenvolve-se, pois a partir do itinerário crítico e curatorial da autora, que acompanha a obra de Zulmiro de Carvalho ao longo de mais de duas décadas, em diferentes contextos expositivos e institucionais. Evoca-se a presença de obras suas em exposições coletivas como Porto 60/70: os Artistas e a Cidade, Studiolo XXI, De casa para um Mundo e, também, os projetos mais recentes na Fundação Gramaxo. Sinaliza-se a forma como ao conceito expositivo cabe reconfigurar a leitura da sua obra de escultura, desenho ou fotografia em diálogo com os diferentes públicos. A obra de Zulmiro de Carvalho caracteriza-se pelo rigor geométrico, pela exploração consciente da materialidade e pela relação cúmplice com o espaço quer de interior, quer em exterior. A afirmação da sua obra é um referencial estruturante da escultura contemporânea portuguesa, projetando-se entre seus pares e além-fronteiras.
O espaço público na obra de Zulmiro de Carvalho
O presente texto visa estudar, analisar e discutir a obra pública de Zulmiro de Carvalho, definindo-se a mesma como a série de peças acessíveis, sem restrições, à receção pública, quer as mesmas se encontrem, em permanência ou temporariamente, em espaços públicos ou privados, exteriores ou interiores, sendo o livre acesso e a integração das obras onde a vida flui as condições diferenciadoras. O estudo das obras públicas de Zulmiro de Carvalho implica, por isso, uma indagação dupla. Por um lado, analisar como as obras que se integram no espaço público. Por outro, sondar como o espaço público se repercute nas obras. Se é verdade que esta dialética é válida para todas as produções artísticas que elegem o espaço público como lugar de implantação. No caso da obra pública de Zulmiro de Carvalho, torna-se imperioso considerar a mesma, já que a obra do escultor é eminentemente site-specific, na medida que é a partir da visão e da compreensão do lugar que o escultor concebe a sua obra. Foi por isso opção, analisar todas as obras públicas de Zulmiro, da escultura pública de caráter civil, até à obra de arte de expressão sagrada, permitindo assim apurar a consistência e a coerência da arte de Zulmiro de Carvalho.
A origem deste Dossiê dedicado a Zulmiro de Carvalho - figura maior da escultura portuguesa - nasce de um gesto simultaneamente simples e profundo, o reconhecimento público de uma obra e o reencontro de uma comunidade com um dos seus. A inauguração do Pórtico do Rio, concebido pelo escultor para as comemorações dos 100 anos do Clube Naval Infante D. Henrique, gerou uma onda partilhas nas redes sociais. Entre os muitos comentários que circularam, destacou-se o do Professor Mauricius Farina, editor da Revista Visuais, cujo elogio ao escultor foi o ponto de partida para uma conversa que rapidamente se transformou em projeto editorial. A minha resposta, sugerindo a possibilidade de escrever um artigo sobre a obra, em parceria com um colega, encontrou eco imediato em Mauricius Farina, que generosamente ampliou o horizonte, propondo que o texto se tornasse o núcleo de um Dossiê, convidando-nos a abrir espaço a outros autores. Assim começou esta viagem. Digo viagem com intenção. Desde criança que estou ligado ao Clube Naval Infante D. Henrique, como atleta e agora como dirigente, instituição da qual Zulmiro de Carvalho é também associado, mantendo com o Clube uma relação de afecto que acompanha a sua própria biografia — nasceu muito perto, cresceu junto ao rio, e o convite para a criação de uma escultura remonta já a 2008. Só agora, porém, houve condições para que o projeto se concretizasse, significativamente quando o centenário do Clube. O tempo certo encontra sempre a sua forma. Para todas as coisas há um tempo e este foi tempo de lançar o pão sobre as águas. Capa da edição: Marta Strambi, "A dúvida do coelho", 2020, porcelana e ferro.
Manifesto e intervenção digital na exposiçao Corps à corps_Histoire(s) de la photographie (Paris), realizada no Centre national d’art et de culture Georges-Pompidou (Beaubourg), entre setembro/23 a março/24. Como uma fábula, um rinoceronte invade a exposição, o cartaz, o ambiente do museu como uma forma de protesto contra uma curadoria com visão eurocentrada em uma coleção particular e na própria coleção do museu.
Este ensaio investiga as afinidades estruturais entre luz e som para refletir sobre a ontologia da imagem técnica, a partir de sua aproximação com a música, conforme sugerido por Vilém Flusser. Considerando a natureza ondulatória e as modulações tonais de ambos os fenômenos, propõe-se compreender a fotografia como imagem performática e vibrátil, com o objetivo de discutir sua potência afetiva, que se intensifica no ambiente das telas e das tecnologias digitais.
Este artigo reflete sobre a relação entre a fotografia e a flânerie, interrogando se as condições que os artistas encontram hoje nas grandes cidades são análogas àquelas que permitiram a Charles Baudelaire, na Paris do século 19, encarnar a figura do flâneur. Toma também a flânerie como referência para delimitar uma série de exclusões que a cidade opera, com relação ao direito de caminhar e olhar. O texto analisa experiências recentes com a fotografia em que o gesto de caminhar e de fotografar seguem instruções rigorosas, definidas previamente pelos artistas. Trazemos a hipótese de que esses trabalhos são sintoma de um ambiente que se torna avesso ao vagar contemplativo da flânerie, seja pela aceleração dos movimentos, seja porque não há mais distâncias suficientes que permitam dar conta da paisagem. Por um lado, o caráter metódico e arbitrário desses experimentos delineia o esfacelamento de qualquer possibilidade de romantização da cidade. Por outro, representa o esforço possível de resistir ao movimento inercial que esse ambiente impõe.
Roland Barthes foi responsável por um dos livros sobre fotografia mais difundidos mundialmente, A Câmara Clara: Nota sobre a fotografia, publicado postumamente, em 1980. Desde então, segue suscitando discussões diversas entre quem encontra no autor um campo fértil de análise e quem procura combater suas ideias. Embora o resultado mais debatido deste livro seja a instituição de um noema fotográfico, o isso-foi, meu interesse está em pensar dois outros elementos que acompanham a escrita barthesiana, a saber, o luto e a Τύχη (Tiquê). O luto, originado quando da morte de sua mãe, é uma chave de entendimento para a maneira como o autor elucubra sobre a fotografia e sua conexão com o real a partir da Tiquê, dado pela necessidade de reencontrar sua mãe na imagem fotográfica. Essa imagem insistente, a qual jamais conheceremos, esteve ao alcance dos olhos e das mãos de Barthes sobre sua mesa de trabalho e é a responsável pelo seu projeto de reabilitação da figura da mãe, uma tentativa de mantê-la viva para si.
Este artigo propõe uma reflexão sobre a história das imagens como elemento narrativo, com foco no conceito de DESLOCAMENTO como ideia-chave para a compreensão da transformação do significado e da forma das imagens ao longo do tempo. O argumento principal defende que as imagens, incluindo as fotográficas, mostraram um lugar ou significado para além das próprias imagens. Isso é verdade até o momento em que o visual renuncia à narração, e as imagens, e também as palavras, simplesmente querem ser iguais a si mesmas. É nesse momento que nascem os movimentos de vanguarda históricos, e é nesse momento que a história, a narração, tanto de palavras quanto de imagens, é substituída pelo discurso, entendido como um elemento que explica o significado de imagens e palavras para além de sua presença e materialidade. A arte conceitual exemplifica essa mudança de paradigma, na qual as obras de arte se tornam todas palavras, todo discurso, e o valor dos objetos cede lugar ao valor do sujeito que olha. A arte de fazer cede lugar à arte de ver.
Das Unheimliche é parte de uma longa trajetória de pesquisa artística e acadêmica que investiga o desaparecimento do rosto no retrato e no autorretrato fotográfico, ratificando e explorando o conceito de antirretrato como expressão da fragmentação identitária contemporânea. A série, produzida entre 2013 e 2024, centra-se no enterrar e desenterrar de impressões digitais de retratos fotográficos, tomados de pessoas que fazem parte da rede de relações da artista. Estas imagens, que passam por diferentes países ao longo de dez anos, desconstruindo-se e tornando-se vestígio do que foram, simbolizam e representam desconstruções e reconstruções de elementos do fotográfico, tanto quanto representam as mutações emocionais, relacionais e identitárias pelas quais o conjunto de sujeitos e relações que definem a série, passam ao longo desses dez anos. Referenciando Freud, o título remete ao conceito de unheimliche, refletindo sobre a desestabilização de afetos e lugares outrora seguros. A obra desmaterializa o fotográfico e a reconstrução de relações e identidades através do tempo e do espaço, mesclando experiências pessoais e culturais em uma narrativa visual que questiona a permanência, a estabilidade e a migração.
Este artigo apresentará alguns aspectos dos retratos fotográficos feitos por Alair Gomes (1921-1992) durante viagens à Europa nas décadas de 1960 e 1980. Inspirado na tradição clássica do retrato, o fotógrafo constrói através de registros de jovens em espaços públicos, imagens que articulam arte, desejo e cotidiano. Ao transitar pelas principais cidades europeias, Alair Gomes se mostra um flâneur sensível, suas fotos revelam um olhar erótico voltado ao corpo masculino, a frontalidade nos retraos e os gestos dos modelos indicam colaboração e certa cumplicidade na relação com seus modelos, fazendo do retrato um meio de aproximação, fabulação e elaboração estética do afeto.
Performance em dois atos criada por Sofia Borges, explorando a relação entre passado, presente e futuro através de uma abordagem distópica. O projeto centra-se em máscaras feitas de retratos fotográficos de esculturas do The Metropolitan Museum of Art, selecionadas por sua capacidade de "olhar" para o observador. A performance inverte a dinâmica tradicional, fazendo com que o passado (representado pelas máscaras) observe o público, provocando reflexões sobre memória, esquecimento e a fluidez da história. A obra questiona a fixidez dos significados culturais e a forma como museus dissociam objetos de seus contextos originais. A performance transforma esculturas estáticas em entidades ativas, desafiando noções de tempo e identidade. O resultado inclui fotografias e filmes que são obras autônomas, não apenas documentação. A colaboração com dançarinos e músicos reforça a ideia de um passado que ressurge, interrogando o presente.
A fotografia nunca foi apenas um registro passivo da realidade. Ela é um campo de disputas, deslocamentos e reinvenções, onde se cruzam história, arte, política e afeto. Os portfólios e artigos publicados nesta edição revelam como a imagem fotográfica transcende sua materialidade para se tornar um dispositivo crítico, capaz de questionar narrativas hegemônicas, subverter tradições e reconfigurar nossa relação com o tempo, a memória e o espaço. Assim, nesta edição, Antonio Anson nos convida a refletir sobre o deslocamento como eixo central para entender a transformação das imagens. Quando a visualidade renuncia à narração linear, surgem as vanguardas, substituindo a história pelo discurso — um gesto que a arte conceitual radicaliza, convertendo o objeto em palavra, a matéria em ideia. Esse movimento não anula a imagem, mas a tensiona, exigindo do espectador uma postura ativa, capaz de decifrar camadas de significado para além do visível. Assim, necessariamente uma arte de ver desloca o olhar e o eixo do visualizador, colocando-o também como lugar do conceito. Já Wagner Souza e Silva nos lembra que a fotografia é, antes de tudo, vibração. Ao aproximar luz e som, ele revela sua natureza performática, especialmente no contexto digital, onde as imagens pulsam em telas, ressoando como composições afetivas. Essa perspectiva nos faz questionar: a fotografia não seria também uma partitura, uma escrita de frequências e silêncios? Em contraste com a abstração conceitual, Aline Gomes nos apresenta o trabalho de Alair Gomes, cujos retratos eróticos e colaborativos de jovens europeus reinventam a tradição clássica. Seu olhar flâneur captura não apenas corpos, mas desejos e cumplicidades, transformando a rua em palco de uma intimidade construída. Aqui, a fotografia é encontro, um jogo de sedução entre quem fotografa e quem é fotografado. Sofia Borges radicaliza essa discussão ao fotografar fotografias, desestabilizando a noção de originalidade. Seu trabalho opera como uma rapsódia visual, onde fragmentos se recombinam em novas narrativas, questionando a própria história da arte. Ao evocar "Sons de Mármore", ela nos confronta com o inaudível — o silêncio das esculturas clássicas, agora ressignificadas pela lente. Nesse mesmo espírito de intervenção, minha “contribuição” para a exposição Corps à corps no Centre Pompidou (Paris) propõe um rinoceronte digital como protesto contra o eurocentrismo das coleções museológicas. A fábula aqui é um chamado à desobediência: a arte deve invadir, perturbar, questionar os cânones. Paula Cabral, por sua vez, enterra fotografias para explorar o Unheimliche freudiano — o estranhamento do que um dia foi familiar. Seus "antirretratos" são vestígios de identidades em decomposição e afetos líquidos, metáforas potentes para as migrações e desenraizamentos contemporâneos. Fábio Gátti retoma Barthes e sua busca pela mãe perdida na fotografia, lembrando-nos de que a imagem é também luto e Τύχη (acaso). O isso-foi barthesiano não é apenas um índice do real, mas um gesto de resistência contra o esquecimento. Por fim, Isis Gasparini e Ronaldo Entler interrogam a flânerie no século XXI: ainda é possível vagar contemplativamente em cidades aceleradas? Revelam um esforço metódico para resistir à inércia urbana, mesmo quando o espaço já não permite a deriva poética de Baudelaire. Ao final colocam em cena a diferenciação do olhar feminino no processo da flânerie como uma questão de gênero e afirmação feminista. Se há um fio condutor nesses trabalhos, é a fotografia como ato político. Seja pelo deslocamento, pela vibração, pelo protesto ou pelo luto. A partir da intervenção, ela nos força a repensar não apenas o que vemos, mas como olhamos. Em um mundo saturado de imagens, talvez sua maior potência seja justamente a de nos fazer desacelerar, questionar e, sobretudo, sentir.
O texto trata de duas peças do compositor Rodolfo Caesar, Dueto Je Ne e Steve Lá, construídas a partir do procedimento do compositor norte-americano Steve Reich da micro-defasagem entre trilhas de áudio. Apesar de utilizar da mesma técnica, todavia, Caesar cria outros sentidos, seja a partir da relação deste procedimento com os materiais de origem, seja, no caso de Steve Lá, por acoplar imagens visuais ao substrato sonoro. Os sentidos criados com o material apropriado pelo compositor - a voz do artista Joseph (caso de Dueto Ja Ne) e imagens e a música do DVD Broadway (caso de Steve Lá) serão analisados. Finalmente, será marcada a vinculação do Dueto Ja Ne a um desenho do artista visual Milton Machado que possui caráter de uma partitura, de cuja leitura proveio a ideia de apropriação do procedimento de Reich.
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A secundarização do conteúdo na análise psicanalítica do impulso criativo
Este artigo procura explorar a noção de secundarização do conteúdo, apontando as limitações da abordagem psicanalítica da estética explorada por Sigmund Freud, no momento de analisar e compreender o impulso criativo do artista. Neste enquadramento, reconhece-se na abordagem Kleiniana, a capacidade para explorar este território, relacionando os aspetos formais que a definem, com o elemento da memória enquanto ferramenta prática e teórica. Desta forma estabelece-se uma ponte entre os dois territórios, possibilitando uma exploração focada na compreensão dos motivos por detrás do impulso criativo e independente das especificidades do conteúdo resultante.
Martin Heidegger e Fernando Lanhas. A Floresta Negra e o Penedo da Serra de Valongo. Tendo como raiz o pensamento fenomenológico de Heidegger relacionado com o fazer poético e o conceito de habitar que pressupõe, por sua vez, o vislumbre da essência do ser perante o contacto com o mundo através desse fazer poético, atento a obra do artista português Fernando Lanhas, que estabelece a sua investigação num diálogo essencial entre o seu corpo e as matérias naturais do mundo, aquilo que o rodeia. Comum aos dois, a necessidade de se compreender em sentido essencial através do fazer poético, mas também o facto de terem procurado os lugares na natureza para o fazer.
Este artigo se dedica a percorrer aspectos relevantes da obra teórica do artista Rodolfo Caesar em direção a uma reinvenção da escuta. Atravessamos elaborações de Rodolfo Caesar sobre imagem sonora, loop, a relação entre escuta e noite, bem como a noção de cópia no campo do sonoro. Em seguida, estabelecemos aproximações entre a obra teórica do sonólogo e a obra de Cildo Meireles, artista visual que recorre ao sonoro como meio de criação. Por fim, observamos como a poesia do pensamento teórico de Rodolfo Caesar viabiliza uma percepção e uma análise adensadas de obras situadas no campo das visualidades.
Os termos senpai e kohai referem-se a um modo de relação entre estudantes onde o mais experiente, o senpai, serve de referência para o menos graduado. Esse texto, escrito pela perspectiva de um kohay, busca apresentar de forma breve alguns aspectos da atuação do compositor Rodolfo Caesar, seja no âmbito da criação musical ou em seu modo de navegação pelas vias sinuosas da vida acadêmica, acentuando a singularidade de sua produção nos dois campos. Partindo de sua formação em ambientes fortemente marcados pela experimentação, no Brasil e na França, o pensamento de Caesar sobre a escuta, posto em ato em obras e textos ao longo de mais de 4 décadas, impõe-se por sua originalidade e elegância.
Uma conversa [e uma escuta] com Rodolfo Caesar
O texto é o compartilhamento de uma conversa com Rodolfo Caesar. Essa conversa passeia pelos vários assuntos que têm acompanhado o trabalho artístico e acadêmico do compositor e pesquisador ao longo de sua vida. Questões da materialidade, da subjetivação tecnológica, dos meios, dos animais, da imagem do som. Mas, na conversa, o ato de escutar e suas múltiplas descobertas ocupou os interesses dos dois interlocutores e ganhou primazia. Rodolfo Caesar, além de ter uma produção artística das mais criativas no campo das artes da escuta (da música, das artes sonoras), tem oferecido uma significativa contribuição para a integração da prática artística com a pesquisa científica. Seus trabalhos sustentam, com admirável perspicácia, uma perspectiva crítica aliada a uma leitura poética do campo da música.
Considerações kantianas sobre a representação, a estética, o belo e o sublime
Kant (1724-1804) introduziu o termo estética na Crítica da Razão Pura, referindo-se às formas puras da intuição sensível a priori: espaço e tempo. Essas formas, parte da dimensão transcendental, condicionam a recepção das intuições sensíveis, organizadas internamente pelo tempo e externamente pelo espaço. Para Kant, o tempo subordina todos os objetos como fenômenos da sensibilidade. Ele concebeu o termo “estética transcendental” para descrever a estrutura pré-existente que permite a recepção das intuições sensíveis, diferenciando-se da crítica do gosto. Kant afirma que o conhecimento exige sensibilidade (recepção de representações) e compreensão (formação de conceitos aplicados a essas intuições). Contudo, apesar da centralidade da noção de representação, ele não forneceu uma definição completa, utilizando-a em partes da Lógica Transcendental e da Estética Transcendental. Este estudo analisa as condições de sua formulação e difusão nas críticas kantianas. No juízo estético, Kant explora por que ele não gera conhecimento, impossibilitando sua universalização objetiva. A afirmação de algo como belo busca sua universalidade, mas a discordância alheia pode gerar frustração, destacando a subjetividade do gosto estético. A segunda parte aborda a Analítica do Belo e a Analítica do Sublime, evidenciando rupturas e inovações trazidas pela Crítica da Faculdade do Juízo. Analisa-se o belo em relação ao prazer e à dor, e o papel dos juízos determinante e reflexivo na estética do belo. A estética do sublime, abrangendo suas formas matemática e dinâmica, é explorada em suas conexões com natureza, moral e o informe.
Mundos em colapso & vaidades contemporâneas
O texto trata de uma reflexão sobre um conjunto de aquarelas – Primavera Negra - realizadas entre 2020 e 2022. Paralelamente, evidencia a conexão deste trabalho no contexto mais amplo da produção de artistas contemporâneos que abordam o tema da fragilidade e efemeridade da vida; estabelecendo relações complexas de continuidade e de ruptura com o gênero pictórico das Vanitas, do século XVII, e dos Memento Mori, da antiguidade clássica. Parte da reflexão sobre as aquarelas recebe contribuições de Martin Heidegger, entendendo que, ao estabelecer relações, o homem “constrói mundos” e estes mundos frágeis possuem sua dose de poesia e tragédia.
Leitura visual de Introdução à Pedra de Rodolfo Caesar
Trata-se de um trabalho de análise visual da obra Introdução à Pedra de Rodolfo Caesar, utilizando, para isso, o programa Acousmograph. Esse aplicativo funciona como um gráfico no qual se transcreve o tempo, as durações e as frequências. É uma leitura pessoal da obra, pois as imagens visuais geradas não traduzem as imagens sonoras, mas buscam traduzir uma escuta pessoal da obra. A leitura não é um gráfico abstrato, mas cheia de referências sonoras e não sonoras que procurei traduzir em formas e cores que remetem a objetos, elementos e sentimentos. Proponho que esse seja um método válido de análise musical, confiando na intermodalidade entre som e imagem.
Mebs/Caraxia (1970-1971) é um disco de vinil de 33 rpm, com edição de 500 cópias e produção do autor. A ideia deste disco, gravado a partir do uso de um oscilador de frequência, foi construir esculturas sonoras, ou seja, projetar uma imagem espacial por meio da percepção auditiva. Assim, de um lado do vinil, a banda MEBS seria o gráfico sonoro da fita de Moebius, enquanto o outro lado, CARAXIA, se refere a tornar sonora uma espiral. Em 1981, Rodolfo Caesar e Tim (Luiz Augusto) Rescala executaram um trecho de Caraxia na Sala Sidney Miller, Funarte, Rio de Janeiro.