Escopo: A Revista Visuais é o periódico do Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais da Unicamp desde 2015. A revista publica textos relacionados às pesquisas nas linhas de teoria, crítica e história da arte, das poéticas visuais, estendendo-se ao amplo domínio dos campos híbridos e transdisciplinares que se articulam nesta área de conhecimento. A revista recebe proposições para elaboração de dossiês, artigos, traduções, e também publica ensaios visuais. As proposições para a publicação na revista são arbitradas pelo seu comitê editorial. Qualis: B3 Área do conhecimento: Linguística, Letras e Artes Ano de fundação: 2015 ISSN: 2447-1313 Título abreviado: Rev. Visuais E-mail: rvisuais@unicamp.br Unidade: IA Editor responsável: Mauricius Martins Farina Prefixo DOI: 10.20396
Manifesto e intervenção digital na exposiçao Corps à corps_Histoire(s) de la photographie (Paris), realizada no Centre national d’art et de culture Georges-Pompidou (Beaubourg), entre setembro/23 a março/24. Como uma fábula, um rinoceronte invade a exposição, o cartaz, o ambiente do museu como uma forma de protesto contra uma curadoria com visão eurocentrada em uma coleção particular e na própria coleção do museu.
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Este ensaio investiga as afinidades estruturais entre luz e som para refletir sobre a ontologia da imagem técnica, a partir de sua aproximação com a música, conforme sugerido por Vilém Flusser. Considerando a natureza ondulatória e as modulações tonais de ambos os fenômenos, propõe-se compreender a fotografia como imagem performática e vibrátil, com o objetivo de discutir sua potência afetiva, que se intensifica no ambiente das telas e das tecnologias digitais.
Este artigo reflete sobre a relação entre a fotografia e a flânerie, interrogando se as condições que os artistas encontram hoje nas grandes cidades são análogas àquelas que permitiram a Charles Baudelaire, na Paris do século 19, encarnar a figura do flâneur. Toma também a flânerie como referência para delimitar uma série de exclusões que a cidade opera, com relação ao direito de caminhar e olhar. O texto analisa experiências recentes com a fotografia em que o gesto de caminhar e de fotografar seguem instruções rigorosas, definidas previamente pelos artistas. Trazemos a hipótese de que esses trabalhos são sintoma de um ambiente que se torna avesso ao vagar contemplativo da flânerie, seja pela aceleração dos movimentos, seja porque não há mais distâncias suficientes que permitam dar conta da paisagem. Por um lado, o caráter metódico e arbitrário desses experimentos delineia o esfacelamento de qualquer possibilidade de romantização da cidade. Por outro, representa o esforço possível de resistir ao movimento inercial que esse ambiente impõe.
Roland Barthes foi responsável por um dos livros sobre fotografia mais difundidos mundialmente, A Câmara Clara: Nota sobre a fotografia, publicado postumamente, em 1980. Desde então, segue suscitando discussões diversas entre quem encontra no autor um campo fértil de análise e quem procura combater suas ideias. Embora o resultado mais debatido deste livro seja a instituição de um noema fotográfico, o isso-foi, meu interesse está em pensar dois outros elementos que acompanham a escrita barthesiana, a saber, o luto e a Τύχη (Tiquê). O luto, originado quando da morte de sua mãe, é uma chave de entendimento para a maneira como o autor elucubra sobre a fotografia e sua conexão com o real a partir da Tiquê, dado pela necessidade de reencontrar sua mãe na imagem fotográfica. Essa imagem insistente, a qual jamais conheceremos, esteve ao alcance dos olhos e das mãos de Barthes sobre sua mesa de trabalho e é a responsável pelo seu projeto de reabilitação da figura da mãe, uma tentativa de mantê-la viva para si.
Este artigo propõe uma reflexão sobre a história das imagens como elemento narrativo, com foco no conceito de DESLOCAMENTO como ideia-chave para a compreensão da transformação do significado e da forma das imagens ao longo do tempo. O argumento principal defende que as imagens, incluindo as fotográficas, mostraram um lugar ou significado para além das próprias imagens. Isso é verdade até o momento em que o visual renuncia à narração, e as imagens, e também as palavras, simplesmente querem ser iguais a si mesmas. É nesse momento que nascem os movimentos de vanguarda históricos, e é nesse momento que a história, a narração, tanto de palavras quanto de imagens, é substituída pelo discurso, entendido como um elemento que explica o significado de imagens e palavras para além de sua presença e materialidade. A arte conceitual exemplifica essa mudança de paradigma, na qual as obras de arte se tornam todas palavras, todo discurso, e o valor dos objetos cede lugar ao valor do sujeito que olha. A arte de fazer cede lugar à arte de ver.
Das Unheimliche é parte de uma longa trajetória de pesquisa artística e acadêmica que investiga o desaparecimento do rosto no retrato e no autorretrato fotográfico, ratificando e explorando o conceito de antirretrato como expressão da fragmentação identitária contemporânea. A série, produzida entre 2013 e 2024, centra-se no enterrar e desenterrar de impressões digitais de retratos fotográficos, tomados de pessoas que fazem parte da rede de relações da artista. Estas imagens, que passam por diferentes países ao longo de dez anos, desconstruindo-se e tornando-se vestígio do que foram, simbolizam e representam desconstruções e reconstruções de elementos do fotográfico, tanto quanto representam as mutações emocionais, relacionais e identitárias pelas quais o conjunto de sujeitos e relações que definem a série, passam ao longo desses dez anos. Referenciando Freud, o título remete ao conceito de unheimliche, refletindo sobre a desestabilização de afetos e lugares outrora seguros. A obra desmaterializa o fotográfico e a reconstrução de relações e identidades através do tempo e do espaço, mesclando experiências pessoais e culturais em uma narrativa visual que questiona a permanência, a estabilidade e a migração.
Este artigo apresentará alguns aspectos dos retratos fotográficos feitos por Alair Gomes (1921-1992) durante viagens à Europa nas décadas de 1960 e 1980. Inspirado na tradição clássica do retrato, o fotógrafo constrói através de registros de jovens em espaços públicos, imagens que articulam arte, desejo e cotidiano. Ao transitar pelas principais cidades europeias, Alair Gomes se mostra um flâneur sensível, suas fotos revelam um olhar erótico voltado ao corpo masculino, a frontalidade nos retraos e os gestos dos modelos indicam colaboração e certa cumplicidade na relação com seus modelos, fazendo do retrato um meio de aproximação, fabulação e elaboração estética do afeto.
Performance em dois atos criada por Sofia Borges, explorando a relação entre passado, presente e futuro através de uma abordagem distópica. O projeto centra-se em máscaras feitas de retratos fotográficos de esculturas do The Metropolitan Museum of Art, selecionadas por sua capacidade de "olhar" para o observador. A performance inverte a dinâmica tradicional, fazendo com que o passado (representado pelas máscaras) observe o público, provocando reflexões sobre memória, esquecimento e a fluidez da história. A obra questiona a fixidez dos significados culturais e a forma como museus dissociam objetos de seus contextos originais. A performance transforma esculturas estáticas em entidades ativas, desafiando noções de tempo e identidade. O resultado inclui fotografias e filmes que são obras autônomas, não apenas documentação. A colaboração com dançarinos e músicos reforça a ideia de um passado que ressurge, interrogando o presente.
A fotografia nunca foi apenas um registro passivo da realidade. Ela é um campo de disputas, deslocamentos e reinvenções, onde se cruzam história, arte, política e afeto. Os portfólios e artigos publicados nesta edição revelam como a imagem fotográfica transcende sua materialidade para se tornar um dispositivo crítico, capaz de questionar narrativas hegemônicas, subverter tradições e reconfigurar nossa relação com o tempo, a memória e o espaço. Assim, nesta edição, Antonio Anson nos convida a refletir sobre o deslocamento como eixo central para entender a transformação das imagens. Quando a visualidade renuncia à narração linear, surgem as vanguardas, substituindo a história pelo discurso — um gesto que a arte conceitual radicaliza, convertendo o objeto em palavra, a matéria em ideia. Esse movimento não anula a imagem, mas a tensiona, exigindo do espectador uma postura ativa, capaz de decifrar camadas de significado para além do visível. Assim, necessariamente uma arte de ver desloca o olhar e o eixo do visualizador, colocando-o também como lugar do conceito. Já Wagner Souza e Silva nos lembra que a fotografia é, antes de tudo, vibração. Ao aproximar luz e som, ele revela sua natureza performática, especialmente no contexto digital, onde as imagens pulsam em telas, ressoando como composições afetivas. Essa perspectiva nos faz questionar: a fotografia não seria também uma partitura, uma escrita de frequências e silêncios? Em contraste com a abstração conceitual, Aline Gomes nos apresenta o trabalho de Alair Gomes, cujos retratos eróticos e colaborativos de jovens europeus reinventam a tradição clássica. Seu olhar flâneur captura não apenas corpos, mas desejos e cumplicidades, transformando a rua em palco de uma intimidade construída. Aqui, a fotografia é encontro, um jogo de sedução entre quem fotografa e quem é fotografado. Sofia Borges radicaliza essa discussão ao fotografar fotografias, desestabilizando a noção de originalidade. Seu trabalho opera como uma rapsódia visual, onde fragmentos se recombinam em novas narrativas, questionando a própria história da arte. Ao evocar "Sons de Mármore", ela nos confronta com o inaudível — o silêncio das esculturas clássicas, agora ressignificadas pela lente. Nesse mesmo espírito de intervenção, minha “contribuição” para a exposição Corps à corps no Centre Pompidou (Paris) propõe um rinoceronte digital como protesto contra o eurocentrismo das coleções museológicas. A fábula aqui é um chamado à desobediência: a arte deve invadir, perturbar, questionar os cânones. Paula Cabral, por sua vez, enterra fotografias para explorar o Unheimliche freudiano — o estranhamento do que um dia foi familiar. Seus "antirretratos" são vestígios de identidades em decomposição e afetos líquidos, metáforas potentes para as migrações e desenraizamentos contemporâneos. Fábio Gátti retoma Barthes e sua busca pela mãe perdida na fotografia, lembrando-nos de que a imagem é também luto e Τύχη (acaso). O isso-foi barthesiano não é apenas um índice do real, mas um gesto de resistência contra o esquecimento. Por fim, Isis Gasparini e Ronaldo Entler interrogam a flânerie no século XXI: ainda é possível vagar contemplativamente em cidades aceleradas? Revelam um esforço metódico para resistir à inércia urbana, mesmo quando o espaço já não permite a deriva poética de Baudelaire. Ao final colocam em cena a diferenciação do olhar feminino no processo da flânerie como uma questão de gênero e afirmação feminista. Se há um fio condutor nesses trabalhos, é a fotografia como ato político. Seja pelo deslocamento, pela vibração, pelo protesto ou pelo luto. A partir da intervenção, ela nos força a repensar não apenas o que vemos, mas como olhamos. Em um mundo saturado de imagens, talvez sua maior potência seja justamente a de nos fazer desacelerar, questionar e, sobretudo, sentir.
O texto trata de duas peças do compositor Rodolfo Caesar, Dueto Je Ne e Steve Lá, construídas a partir do procedimento do compositor norte-americano Steve Reich da micro-defasagem entre trilhas de áudio. Apesar de utilizar da mesma técnica, todavia, Caesar cria outros sentidos, seja a partir da relação deste procedimento com os materiais de origem, seja, no caso de Steve Lá, por acoplar imagens visuais ao substrato sonoro. Os sentidos criados com o material apropriado pelo compositor - a voz do artista Joseph (caso de Dueto Ja Ne) e imagens e a música do DVD Broadway (caso de Steve Lá) serão analisados. Finalmente, será marcada a vinculação do Dueto Ja Ne a um desenho do artista visual Milton Machado que possui caráter de uma partitura, de cuja leitura proveio a ideia de apropriação do procedimento de Reich.
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A secundarização do conteúdo na análise psicanalítica do impulso criativo
Este artigo procura explorar a noção de secundarização do conteúdo, apontando as limitações da abordagem psicanalítica da estética explorada por Sigmund Freud, no momento de analisar e compreender o impulso criativo do artista. Neste enquadramento, reconhece-se na abordagem Kleiniana, a capacidade para explorar este território, relacionando os aspetos formais que a definem, com o elemento da memória enquanto ferramenta prática e teórica. Desta forma estabelece-se uma ponte entre os dois territórios, possibilitando uma exploração focada na compreensão dos motivos por detrás do impulso criativo e independente das especificidades do conteúdo resultante.
Martin Heidegger e Fernando Lanhas. A Floresta Negra e o Penedo da Serra de Valongo. Tendo como raiz o pensamento fenomenológico de Heidegger relacionado com o fazer poético e o conceito de habitar que pressupõe, por sua vez, o vislumbre da essência do ser perante o contacto com o mundo através desse fazer poético, atento a obra do artista português Fernando Lanhas, que estabelece a sua investigação num diálogo essencial entre o seu corpo e as matérias naturais do mundo, aquilo que o rodeia. Comum aos dois, a necessidade de se compreender em sentido essencial através do fazer poético, mas também o facto de terem procurado os lugares na natureza para o fazer.
Este artigo se dedica a percorrer aspectos relevantes da obra teórica do artista Rodolfo Caesar em direção a uma reinvenção da escuta. Atravessamos elaborações de Rodolfo Caesar sobre imagem sonora, loop, a relação entre escuta e noite, bem como a noção de cópia no campo do sonoro. Em seguida, estabelecemos aproximações entre a obra teórica do sonólogo e a obra de Cildo Meireles, artista visual que recorre ao sonoro como meio de criação. Por fim, observamos como a poesia do pensamento teórico de Rodolfo Caesar viabiliza uma percepção e uma análise adensadas de obras situadas no campo das visualidades.
Os termos senpai e kohai referem-se a um modo de relação entre estudantes onde o mais experiente, o senpai, serve de referência para o menos graduado. Esse texto, escrito pela perspectiva de um kohay, busca apresentar de forma breve alguns aspectos da atuação do compositor Rodolfo Caesar, seja no âmbito da criação musical ou em seu modo de navegação pelas vias sinuosas da vida acadêmica, acentuando a singularidade de sua produção nos dois campos. Partindo de sua formação em ambientes fortemente marcados pela experimentação, no Brasil e na França, o pensamento de Caesar sobre a escuta, posto em ato em obras e textos ao longo de mais de 4 décadas, impõe-se por sua originalidade e elegância.
Uma conversa [e uma escuta] com Rodolfo Caesar
O texto é o compartilhamento de uma conversa com Rodolfo Caesar. Essa conversa passeia pelos vários assuntos que têm acompanhado o trabalho artístico e acadêmico do compositor e pesquisador ao longo de sua vida. Questões da materialidade, da subjetivação tecnológica, dos meios, dos animais, da imagem do som. Mas, na conversa, o ato de escutar e suas múltiplas descobertas ocupou os interesses dos dois interlocutores e ganhou primazia. Rodolfo Caesar, além de ter uma produção artística das mais criativas no campo das artes da escuta (da música, das artes sonoras), tem oferecido uma significativa contribuição para a integração da prática artística com a pesquisa científica. Seus trabalhos sustentam, com admirável perspicácia, uma perspectiva crítica aliada a uma leitura poética do campo da música.
Considerações kantianas sobre a representação, a estética, o belo e o sublime
Kant (1724-1804) introduziu o termo estética na Crítica da Razão Pura, referindo-se às formas puras da intuição sensível a priori: espaço e tempo. Essas formas, parte da dimensão transcendental, condicionam a recepção das intuições sensíveis, organizadas internamente pelo tempo e externamente pelo espaço. Para Kant, o tempo subordina todos os objetos como fenômenos da sensibilidade. Ele concebeu o termo “estética transcendental” para descrever a estrutura pré-existente que permite a recepção das intuições sensíveis, diferenciando-se da crítica do gosto. Kant afirma que o conhecimento exige sensibilidade (recepção de representações) e compreensão (formação de conceitos aplicados a essas intuições). Contudo, apesar da centralidade da noção de representação, ele não forneceu uma definição completa, utilizando-a em partes da Lógica Transcendental e da Estética Transcendental. Este estudo analisa as condições de sua formulação e difusão nas críticas kantianas. No juízo estético, Kant explora por que ele não gera conhecimento, impossibilitando sua universalização objetiva. A afirmação de algo como belo busca sua universalidade, mas a discordância alheia pode gerar frustração, destacando a subjetividade do gosto estético. A segunda parte aborda a Analítica do Belo e a Analítica do Sublime, evidenciando rupturas e inovações trazidas pela Crítica da Faculdade do Juízo. Analisa-se o belo em relação ao prazer e à dor, e o papel dos juízos determinante e reflexivo na estética do belo. A estética do sublime, abrangendo suas formas matemática e dinâmica, é explorada em suas conexões com natureza, moral e o informe.
Mundos em colapso & vaidades contemporâneas
O texto trata de uma reflexão sobre um conjunto de aquarelas – Primavera Negra - realizadas entre 2020 e 2022. Paralelamente, evidencia a conexão deste trabalho no contexto mais amplo da produção de artistas contemporâneos que abordam o tema da fragilidade e efemeridade da vida; estabelecendo relações complexas de continuidade e de ruptura com o gênero pictórico das Vanitas, do século XVII, e dos Memento Mori, da antiguidade clássica. Parte da reflexão sobre as aquarelas recebe contribuições de Martin Heidegger, entendendo que, ao estabelecer relações, o homem “constrói mundos” e estes mundos frágeis possuem sua dose de poesia e tragédia.
Leitura visual de Introdução à Pedra de Rodolfo Caesar
Trata-se de um trabalho de análise visual da obra Introdução à Pedra de Rodolfo Caesar, utilizando, para isso, o programa Acousmograph. Esse aplicativo funciona como um gráfico no qual se transcreve o tempo, as durações e as frequências. É uma leitura pessoal da obra, pois as imagens visuais geradas não traduzem as imagens sonoras, mas buscam traduzir uma escuta pessoal da obra. A leitura não é um gráfico abstrato, mas cheia de referências sonoras e não sonoras que procurei traduzir em formas e cores que remetem a objetos, elementos e sentimentos. Proponho que esse seja um método válido de análise musical, confiando na intermodalidade entre som e imagem.
Mebs/Caraxia (1970-1971) é um disco de vinil de 33 rpm, com edição de 500 cópias e produção do autor. A ideia deste disco, gravado a partir do uso de um oscilador de frequência, foi construir esculturas sonoras, ou seja, projetar uma imagem espacial por meio da percepção auditiva. Assim, de um lado do vinil, a banda MEBS seria o gráfico sonoro da fita de Moebius, enquanto o outro lado, CARAXIA, se refere a tornar sonora uma espiral. Em 1981, Rodolfo Caesar e Tim (Luiz Augusto) Rescala executaram um trecho de Caraxia na Sala Sidney Miller, Funarte, Rio de Janeiro.
Apresenta-se uma leitura crítica sobre “Mundo Novo” a exposição de pintura de Ilídio Salteiro no Salão da SNBA, em Lisboa, Portugal, no começo de 2024. Relaciona-se a proposta com algumas regularidades poéticas (o pântano, a casa, a ponte, a ilha, o muro) e plásticas (a pintura a óleo, as camadas de tinta, a organização em dípticos ou em séries). Visitam-se alguns dos lugares da topografia excursiva da sua iconografia, selecionando alguns exemplos, como a Ponte, a Torre, o Muro, a Casa, o Paraíso, o Livro, e procurando enfatizar alguns tópicos de exploração plástica. Conclui-se revelando uma atitude proposicional ética e plástica que articula toda a sua expressão visual, ligando solidamente as mais dispersas referências.
Artes visuais, pensamentos e sonoridades
Nesta edição da Revista Visuais, apresentamos o dossiê "Imagens aqui e lá, entre o loop e a repetição: a obra de Rodolfo Caesar", organizado pela pesquisadora Caroline Alciones de Oliveira Leite. Além deste dossiê, na seção de artigos apresentamos quatro artigos com importantes reflexões sobre os campos da poética, da estética, e da teoria crítica a respeito das artes visuais, como é tradição desta revista.
Com enfoque na obra da artista Nazareth Pacheco, este artigo aborda a dor como a sensação (in)visível que se presentifica em sua poética. O texto, dividido em três partes, inicia com um breve histórico e apresenta três obras produzidas pela artista que, por sua vez, contribuem para criar o recorte visual do discurso que a escrita aqui se propõe a pensar. Segue com a argumentação fundamentada em três críticos de arte e de suas respectivas críticas tecidas sobre a produção da artista. Por fim, a escrita do último tópico, discute a experiência pessoal da dor como possibilidade de construção da subjetividade poética do corpo à obra.
Imersos no teatro digital, estamos expostos a um contexto em que as imposições sociais são maiores do que nunca. Neste período, em que a esfera digital suplanta largamente as interacções físicas, o rosto ocupa um papel fundamental no corpo-avatar. Sendo o corpo feminino muitas vezes o mais pressionado por estas exigências, transformá-lo por todos os meios disponíveis é uma opção comum. Do filtro à cirurgia, o ser contemporâneo valoriza a perfeição estética acima de tudo. Encontramos diferentes representações deste contexto no trabalho de artistas como Jessica Ledwich, Yolanda Dorda, Laurie Simmons e Cristina Rizzie.
Metodologia da história da arte (não) europeia (2ª parte)
O presente trabalho dá continuidade ao texto homônimo publicado neste periódico (2021), tentando explorar não tanto uma revisão de personalidades que marcaram a história da arte no Brasil, mas sobretudo tecendo um esboço analítico do discurso que subjaz em algumas das mais conhecidas histórias “gerais” da arte brasileira, de modo a revelar mentalidades historiográficas e estéticas nessas narrativas. Para tanto, se produz descrições e comparações discursivas entre vários marcos historiográficos – de 1888 até 1983. De permeio, se evidencia aquela que talvez seja a questão candente do fazer historiográfico atual, qual seja, as presumidas ausências de artistas mulheres, indígenas e afro-brasileiros nas idiossincrasias de uma modernidade outra.
As structures molles e o factum est da pintura
Este ensaio pretende alcançar dois grandes objectivos: o da especulação acerca do estado da investigação artística, da investigação que, sendo de natureza prospectiva ou implícita, não deixa de aliar os sentidos da autoria e da teoria numa mesma dimensão, e o de um ponto de situação pós BCIP, Projecto Baees Conceptuais da Investigação em Pintura que teve, como grande propósito, o de procurar determinar e auto-determinar caminhos cruciais da investigação da pintura na escola de arte. Mas estes dois grandes objectivos e caminho têm como chão a compreensão da história e da teoria dos modelos de criação alicerçados no pensar, no fazer, e no dizer – isto é, sublinhados na perspectiva de que a teoria das structures molles (Sanouillet) nos concede e nos abre para os imaginários operativos do factum est como lição da pintura.
Este artigo analisa os resultados de um projeto de pesquisa artística liderada por Carmen Castillo Moriano, que explora a interação entre a natureza e cidade definindo aspectos temáticos, formais e expressivos. O tema do projeto revela como a arquitetura paisagística e urbana não apenas coexistem, mas que se transformam e dialogam mutuamente. A cidade italiana de Urbino é usada como estudo de caso primário, enquanto Matera serve para corroborar a tese proposta, demonstrando a universalidade e aplicabilidade dos resultados. Do ponto de vista formal, a representação da paisagem é analisada através de três diferentes abordagens: a visão da cidade para o ambiente natural, da natureza olhando para a cidade e de dentro da própria cidade. Essa triangulação de perspectivas fornecem uma compreensão multidimensional de como os ambientes urbanos e elementos naturais influenciam e moldam uns aos outros, criando uma construção cultural contemporâneo que reflete as interações entre os dois. O desenho é essencial neste estudo, pois facilita a ideação gráfica e representação visual da paisagem. Não só permite uma expressão técnica precisa, mas também promove a criação de padrões conceituais que encapsulam os elementos fundamentos da paisagem em questão. Esses padrões servem como o núcleo a partir do qual o trabalho artístico é desenvolvido, garantindo que cada traço não capte apenas a beleza estética do ambiente, mas também comunica eficazmente a complexidade do relacionamento dinâmico e evolução de ambos os ambientes.
A obra de Kobra nos muros da zona portuária
Este artigo visa investigar a participação das artes e dos artistas nos processos de requalificação urbana das cidades contemporâneas. Recorrendo a autores e autoras dos campos das artes, da sociologia urbana, da geografia humana e dos estudos urbanos críticos, procuramos analisar o projeto de revitalização da zona portuária do Rio de Janeiro, que tem estabelecido alianças e parcerias com as artes, evidenciadas em diferentes ações e projetos. Neste artigo, nos interessa em especial a produção de murais e graffiti na região, tendo como foco central a obra Etnias – somos todos um, realizada por Eduardo Kobra para o Boulevard Olímpico às vésperas das Olimpíadas de 2016.
Neste artigo aborda-se o tema das figuras de humanos-animais. No texto apresentado procura-se entrar no universo mental dos artistas que na pré-história produziram formas artísticas que refletiam narrativas, sobre a sua relação com a natureza. Evidenciam casos estudados na Serra Branca, do complexo da Serra da Capivara, no Brasil.
A experiência da Natureza e o potencial pedagógico nos 1º e 2ºs ciclos do Ensino Básico
O artigo apresenta, de forma resumida, um projeto de investigação focado na experiência da Natureza e o potencial pedagógico no Ensino Básico, especificamente do primeiro e do segundo ciclos. É aqui refletido sobre o contato reduzido das crianças com os espaços naturais exteriores e a sua exploração, situação que tem vindo a aumentar acentuadamente em Portugal, sendo mencionados alguns dos fatores que encaminham para a perda sucessiva desse contato. Procura-se perceber, a partir de estudos internacionais e nacionais, o tempo despendido em atividades pedagógicas ao ar livre, em que o recreio surge como principal elemento de relação com o exterior; dados sobre as atividades pedagógicas realizadas no exterior; e o tipo de contatos com a Natureza. Esta investigação reúne, ainda, o estudo de três projetos pedagógicos, nomeadamente: “Dia de aulas ao ar livre”, “Limites invisíveis: educação na natureza” e “Escola da Floresta Bloom” que abordam, em Portugal, a aproximação das crianças com o espaço natural como essencial para o desenvolvimento cognitivo, motor e social. Pretende-se compreender quais as razões que estão na base da criação destes projetos, quais os seus objetivos, programas e resultados, avaliando potenciais utilizações ou melhorias, no âmbito laboratorial da investigação a ser desenvolvida no Doutoramento em Educação Artística.
Copyright (c) 2023 Revista Visuais https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
O texto investiga memórias de formação em Artes Visuais e aborda caminhos de enraizamento do pensamento, a elucidação de problemáticas pessoais e coletivas, além da materialização artística. Discute questões vinculadas à compreensão histórica, sócio estrutural racista que permeia a sociedade. Foram produzidas obras de arte em consonância à negritude, decolonialidade e memória. Em diálogo com Djamila Ribeiro, Achille Mbembe, Aimé Césaire, Frantz Fanon, Abdias do Nascimento, Lélia Gonzalez e Ecléa Bosi, a pesquisa mostra a importância do registro contínuo sobre o próprio processo criador, reflexivo, artístico, teórico de desenvolvimento da própria formação no campo das artes.